tag:blogger.com,1999:blog-74068752012-02-01T08:56:19.981+01:00愛默生愛說話Emerson's noteshttp://www.blogger.com/profile/04116912813367984395noreply@blogger.comBlogger1061100tag:blogger.com,1999:blog-7406875.post-85883318742120864192011-11-01T01:30:00.003+01:002011-11-01T03:43:27.936+01:00

全世界規模最大也最重要的的當代藝術覽會不在紐約、也不在倫敦或巴黎，而是瑞士的小鎮巴塞爾（Basel）。這個位於德國、法國、瑞士三國交界的小鎮倒底擁有甚麼樣的魅力或是得天獨厚的條件可以發展出今日重要的規模與地位，並且吸引每年超過一百五十萬的藝術觀光客前往朝聖？巴塞爾高密度的博物館與美術館以及自十七世紀開始的藝術收藏歷史都將在本文一一揭露！ 巴塞爾是一個方圓僅有22,75平方公里，不到17萬居民數的小鎮。1460年所成立的巴塞爾大學是全瑞士最古老的大學，從中世紀開始，巴塞爾以大學為中心在學術與文化上的發展頗有成就，巴塞爾大學也成立了歷史最優久的博物館。巴塞爾同時也是瑞士化工醫藥的中心，世界著名的諾華（Novartis）與羅氏（Hoffmann-La-Roche）製藥公司都是在此地成立，公司的總部至今仍在巴塞爾。 但是提到巴塞爾，鐘錶珠寶界與當代藝術界都不會忽略巴塞爾這個小鎮。

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來自丹麥的麥可．艾姆葛林（Michael Elmgreen）出生於1961年；來自挪威的因戈爾．德瑞葛斯特（Ingar Dragset）出生於1968年，自1995年兩人開始合作，1997年起於柏林共組工作室創作，成為當前最知名的藝術雙人組合，以充滿詼諧幽默的方式，挪用現成藝術予以轉化改變探討當今世俗文化與流行風潮。 艾姆葛林與德瑞葛斯特的創作範圍極廣，從行為藝術、攝影、雕塑、裝置、到觀念與環境藝術，很難界定其創作的類型，但是最近她們的作品經常現成藝術或是在流行設計中尋找新的元素與靈感，甚至直接挪用。2009年威尼斯雙年展原本丹麥與北歐館邀請兩人為參展藝術家，他們卻將身分轉變為策展人邀請一群藝術家共同參予，讓藝術家與策展人的角色混淆甚至產生曖昧的關係，這個遊戲式的玩弄手法正式這個雙人組合創作的特色之ㄧ。 一系列名為「失能的結構」（Powerless Structures）

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1969年出生於以色列的尤迪特．薩絲波塔絲（Yehudit Sasportas）畢業於耶路薩冷的藝術與設計學院，2004年獲得貝塔寧藝術村住村計劃邀請（Internationales Atelierprogramm des Künstlerhauses Bethanien, Berlin）於柏林創作一年，之後她決定繼續留在柏林，位於萊比錫與柏林專門經營新萊比錫畫派的畫廊Galerie EIGEN + ART以及以色列最重要的畫廊之ㄧSommer Contemporary Art共同經紀。 從自然環境的微小細節到樹林風景的氣氛營造，薩絲波塔絲將風景畫轉譯為每個人內心的私密花園，脫胎自中東的精細風格畫，婉如書法的筆觸描繪再到透過電腦程式設計的圖像，脫離寫實的風景卻又彷彿一個全新的世界。近期薩絲波塔絲經常以黑與白還呈現她所描繪的風景，因此也增加許多神秘的色彩，

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1976年出生於南非開普敦的羅賓．羅德（Robin Rhode）於約翰尼斯堡電影電視與戲劇學院研究所（School of Film, Television and Dramatic Art in Johannesburg）畢業，屬於南非後種族隔離制度（post apartheid）的年輕世代。 1997年起羅賓．羅德以粉筆在牆壁或地面以塗鴉加上表演的方式呈現於錄像作品中，藝術家曾經表示粉筆對一個曾經在學校課堂反叛的學生來說有著強烈的記憶與意義：從教室偷來粉筆猶如對教師權威的挑戰，羅德從自己在南非的學校經驗將學生們經常塗鴉的圖像以及街頭文化擷取在自己的創作中。 2002羅德搬到柏林，充滿自由與開放的氣氛讓他決定長期在柏林創作，希望與遠景是羅德創作的中心主題，從最單純的心裡想望出發，透過塗鴉幻想一種對理想的遨遊，而作品呈現的趣味性少了嚴肅的議論。2004羅德於紐約的Perry

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來自丹麥的奧拉佛．艾里亞森出生於1967年，1995年他搬遷到柏林並成立工作室。從自然的環境元素結合建築與科技的人為創意，日光、流水、彩虹、迷霧等都在艾里亞森的作品中佔有相當程度重要的角色，從現代科技的精準計算製造出如夢亦真的情境，觀眾也從傳統被動觀看的地位被藝術家邀請在作品中遊走與感受，高度啟發了人的知覺，人造的情境中卻讓人猶如置身自然祕境。 2003年威尼斯雙年展丹麥國家館由艾里亞森代表參展，他在整個國家館展出所呈現的奇幻瑰麗景象受到眾多矚目。同年十月於倫敦泰德現代美術館（Tate Modern, London）的大型個展「天候計畫」（The Weather Project）正式開啟了國際性的知名度，全世界的展覽邀約至今未曾中斷。艾里亞森這幾年的創作系列性的以光、水、氣候等自然現象以科技的人造方式植入人們所日常生活的生息之間隨時存在卻容易被忽略的環境狀況，

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1978年出生於瑞典的娜塔莉．杜爾柏格（Nathalie Djurberg）多年來早已將柏林當作是她的第二個故鄉，以黏土所製作的動畫，內容情節充滿光怪陸離，充滿超現實的奇幻心理劇，影片皆由其伴侶－另一位來自瑞典也生活於柏林的作曲家漢斯．柏格（Hans Berg）所創作。 2002年於瑞典Malmö藝術學院畢業，2003年起杜爾柏格才開始有作品展出，短短幾年她的作品由柏林到米蘭，再到美國的紐約，今年又在威尼斯雙年展獲得國際展中的最佳新進藝術家銀獅獎，目前最受矚目的則是於韓國首爾Prada Trasformer展出最新的作品「轉變成我」（Turn into me）。 雖然以討喜的黏土動畫為媒介，杜爾柏格作品中的世界與故事情節卻往往是深層探觸人類內心最黑暗的邪惡因子，家庭、社會、種族、性別、動物與環境都是藝術家所經常探索的主題。暴力、凌虐、死亡、屍體、噩夢、哭泣、血流、

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強納森．梅瑟（Jonathan Meese）1971年出生於日本東京，但是卻是不折不扣的德國人，他回到漢堡藝術學院（Hochschule für bildende Künste in Hamburg）就讀，創作力充沛活動力又強，從表演行為藝術到塗鴨裝置與觀念，未完成學業便決定放棄學院的制式教育，但是他的創作卻獲得來自漢堡的歐洲當代藝術重要收藏家法肯柏格（Harald Falckenberg）的強力支持與鼓勵，他的收藏庫里竟挪出一個空間給梅瑟進行持續的裝置創作。柏林畫廊Contemporary Fine Arts決定簽約經紀並強力主打，除此之外紐約的Leo Koenig畫廊與倫敦的Modern Art畫廊都視其為重要的當代藝術家，韓國首爾的阿拉里奧畫廊也曾為他舉辦個展。 © Jonathan Meese "SAALKONDITOREI "STOFFWECHSEL de

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一場莊嚴隆重的彌撒於德國科隆大教堂（Kölner Dom）舉行，教堂唱詩班指揮與管風琴手共同譜寫新曲，德國最重要的當代藝術家李希特（Gerhard Richter）也給了這座已經列為世界文化遺產的科隆大教堂一份大禮－彩繪玻璃。 時間要回朔到七年前，建築師夏克威娜（Barbara Schock-Werne）擔任教堂的整修工程，她詢問藝術家李希特是否有意願接下教堂走廊南側的玻璃設計，李希特毫不考慮便答應了這個邀請，而且開始抽象繪畫的設計。其實這個構想與教堂執事原來希望描繪聖經故事的初衷不同，李希特卻不願意再依循前人的創作形式，取而代之的是在120平方公尺的玻璃以不同花色組合而成的彩繪。 而李希特的這個創意構思其實還要再回朔更早至1970年代，藝術家曾為他的一件作品命名《4096種顏色》（4096 Farben），畫中僅僅是單純的小色塊排列堆疊，色彩成了作品中唯一的媒材與主題，

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柏林的閒置空間與空屋率之高在西歐國家甚為少見，市中心甚至還有大片的土地尚未開發與興建。2006年柏林雙年展的Party還能租到約有百年歷史卻一直大門緊鎖，未再開放的室內游泳池，一群藝術界人士，齊聚在兩百公尺長的泳池裡隨著燈光閃爍與音樂節奏搖擺，沒有人否認柏林就是一個如此充滿無限可能的城市。 閒置或廢棄空間經常被使用為藝術家工作室，這個做法全世界各地行之有年，早已不算稀奇，大型的組織或者是臨時成立的藝術家團體都各自在尋找適合的創作空間，藝術家本身具有的游牧性格對於空間再利用的創意更多，甚至有一天覺得需要新的靈感就會繼續往下一個城市搬遷，因此藝術村與眾多的替代藝術空間有著比美術館或畫廊更的的彈性與新鮮感。 柏林雖然是德國首都，並且標榜建立當代文化藝術的新都會，但是財政的窘境讓市政府新有餘而力不足，貝塔寧藝術之家（Künstlerhaus Bethanien）

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Preis der Nationalgalerie für junge Kunst 德國國家畫廊青年藝術大獎（Preis der Nationalgalerie für junge Kunst ）成立於2000年，有鑒於不斷來自世界各國與德國其他城市的藝術家紛紛選擇柏林為新的創作與生活據點，當代藝術在美術館、畫廊及眾多的替代空間繽紛呈現，獎項的成立在鼓勵藝術家繼續於柏林的創作與展出。 國家畫廊藝術之友協會（Verein der Freunde der Nationalgalerie）由一群具有影響力的收藏家所成立，並且贊助支持公立美術館的大型重要展覽活動。當年來自科隆的收藏家霍夫曼（Rolf Hoffmann）也搬到柏林，驚見柏林當代藝術的轉變與活躍，雖然他是一位成功的商人，對於文化藝術卻相當熱衷，他更斷言柏林絕對是未來文化藝術發展的指標城市，

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柏林！當代藝術家的夢想桃花源，柏林給了每位藝術家機會，但是機會如何緊抓在手則看藝術家的本事與運氣。 個別藝術家的活動與斯人畫廊所策畫的展覽與活動往往比起官方美術館所展出的內容更具鮮鮮感與爆發力，其中存在的問題除了柏林本身的財政赤字以外，文化藝術預算必須分配給不僅僅是視覺藝術，還有其他的文化藝術類別，為了節省經費開銷，三大歌劇院：德意志歌劇院（Deutsche Oper）、輕喜歌劇院（Komische Oper）、菩提樹下大道聯邦歌劇院（Staatsoper Unter den Linden）經過整合共同分配預算，但是仍要更憑本事爭取觀眾與其他私人贊助，作為來年預算分配的參考。同樣的，不論是戲劇、舞蹈或是視覺藝術即使有政府單位的補助，沒有觀眾或評論的肯定與支持，仍然無法長期支持。 其實另一個怪異的現象是柏林市長沃威瑞特（Klaus Wowereit ）竟然身兼柏林文化局長，

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柏林！當代藝術的新故鄉 柏林圍牆倒塌正式宣告德國新時代的來臨，德國藝術文化界更視此轉變為當代藝術的新開端。1990年初期，兩德才剛統一，柏林也才被決定重新成為新政府的首都，百廢待舉，卻又千頭萬緒。當年東德人冒著生命危險也要逃往西柏林，如今西德人卻急著搬到昔日的東柏林準備新的生活，原本三百五十萬的人口短短幾年預計增加到五百萬人。不論是新遷入的德國人或是外籍人士都會以當年美國總統甘迺迪（J. F. Kennedy）訪問柏林的一句話：「我是柏林人」（Ich bin ein Berliner）來標榜自己的新身分。 年青的一輩迎接新時代（Gründerzeit）的到來，新柏林人想像在城中區（Mitte）建立如同倫敦的蘇活區（SoHo），更期待將柏林轉變為歐洲的紐約，不僅是政治經濟，也是文化藝術的首都。一群充滿精力與理想的年輕人開始了創意的發想，各種活動與節慶紛紛出籠，

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翻閱當代藝術家的簡歷或者居住地與工作室，「柏林」（Berlin）是出現頻率極高的都市，似乎藝術家對於德國首都柏林情有獨鍾，不僅僅是德國本地的藝術家，來自其他國家，甚至是原來在紐約、倫敦、巴黎等地長期有工作室的藝術工作者紛紛搬到了柏林。 柏林圍牆倒塌、兩德統一至今，已經超過二十年。回顧德國無論是政治、經濟或是文化藝術的發展與改變都標示出獨一無二的新經驗，尤其藝術家（視覺藝術、戲劇、音樂、舞蹈等等）前仆後繼，口耳相傳，柏林儼然成為當代藝術的新重鎮。 柏林充滿著新與舊交雜的特殊氣氛，充滿令人好奇的舊事物與無限可能的新發現，一開始藝術家帶著探索的冒險精神來到柏林，繼之是這個城市醞釀出來的開放與包容。相同的租金，在柏林可以有三倍大於倫敦或紐約的工作室，加上消費低於西歐其他國家，種種條件造就了柏林吸引藝術家的優勢；國際藝術家狂潮般的進駐，使得柏林成為當代藝術的世界新櫥窗。 根據2008年「

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美國德州沃爾斯堡現代美術館 美國德州是西部牛仔的家鄉，沃爾斯堡市（Forth Worth）則被稱為「西部的起點」（Where the West Begins），字面的原意為「具有價值的堡壘」因此可以猜想得到沃爾斯堡市在美國可以等同牛仔們精神象徵。位於沃爾斯堡市的當代美術館前身為成立於1892年的德州州立圖書館與畫廊，經過歷次的美術館增建與易名，1987年正式以目前的名稱取而代之，1997年日本建築師安藤忠雄贏得新的美術館館舍設計案，並於2002年開幕慶祝美術館成立110週年紀念。 純淨、樸實的建築語彙一直是這位來自日本大阪市，於1995年獲得美國普立茲建築獎的當代建築大師之一安藤忠雄（Tadao Ando）作品最感人的特色。安藤忠雄在美國的設計案還包括路易斯安納的普立茲藝術基金會（The Pulitzer Foundation for the Arts, St. Louis,

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西班牙萊昂當代美術館 萊昂位於西班牙西北方，距馬德里約330公里，擁有最豐富多變的自然美景及各式戶外活動，建築文化的特色毫無疑問的是為數眾多的大主教堂。這個地區與當代藝術似乎沒辦法有什麼連結的想像，可是萊昂市政府卻決定在這個老城裡建造一座標榜展示21世紀當代藝術的美術館。當代美術館的興建透露出一個訊息：一個城市的文化藝術活力由美術館的興建中可以略見端倪。一些小城鎮期望藉由美術館的興建將其地位拉到當代文化藝術的平台，同時吸引世人的目光焦點，萊昂當代美術館就是其中的一個例子。 經過三年的興建工程，耗資三千三百萬歐元，西班牙萊昂當代美術館（Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León，簡稱MUSAC）終於在2005年4月開幕。建築師是來自西班牙馬德里的馬西雅（Luis M. Mansilla）與圖儂（Emilio Tuñón），2003

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瑞士伯恩保羅．克利中心 保羅．克利不僅是一位畫家，更是一位音樂家與詩人，二十世紀的現代藝術史上絕不可或缺的人物，雖然出生於瑞士，卻在德國揚名，之後在瑞士伯恩（Bern）度過他大部份的人生。克利的創作超過萬件，擁有約四千件作品與其文件資料的保羅．克利基金會終於在2005年6月為藝術家的作品找到了永久的家──由義大利建築師皮雅諾（Reno Piano）所設計的保羅．克利中心（Zentrum Paul Klee）在眾人的期待下正式開幕。 保羅．克利中心的造型為一個有如三座斜坡所連結而成的鋼架建築，建築師皮雅諾的原始構想來自於將建築物當作是「大地的雕塑」來設計。他的設計理念與藝術中心模型曾在2004年威尼斯建築雙年展中出現，當時便有許多人對這個充滿幾何學線條的造形設計給予高度的評價，建築界也好奇皮雅諾如何讓一個藝術中心走出美術館的既有概念，同時讓建築與藝術家的創作及地景融合為一體。

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德國斯圖嘉特美術館 德國的斯圖嘉特（Stuttgart）為巴登—符騰堡（Baden-Württemberg）首府，由於地理位置在一片原野農場曠野上，該地區原名斯圖登花園（Stutengarten），後來取其因而將城市命名為斯圖嘉特。但是這個城市最被世人熟悉的除了自然風景外，世界聞名的賓士汽車總部便是設在斯圖嘉特。從農業到工業轉型成功，斯圖嘉特更希望在文化藝術上有所地位，藝術品收藏與美術館的興建被設定為城市氣質的風格再造。 原為市立美術館，收藏藝術品超過一萬五千件，經過八十多年使用的舊有建築早已無法容納這許多的藝術品以及每一次的展覽規劃。因此市政府早已決定要重新建造一作更符合當代美術館功能的館舍來收藏作品，並且策劃更具有特色的展覽，但是這個自1970年末即開始計劃案的籌備的計劃案，卻到了1990年才有一些眉目，然後又因為正值兩德統一初期，政府財政窘迫，一直到2000

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奧地利葛拉茲藝術之家 Courtesy Kunsthaus Graz, Peter Cook and Colin Fournier / LMJ Graz 葛拉茲（Graz）於1999年被聯合國教科文組織指定為世界文化遺產，是奧地利僅次於維也納的第二大城，更是2003年歐洲文化之都。古時的葛拉茲正居於東歐及巴爾幹半島的交界處，一直奧匈帝國的東南要塞，自1379年，執政的哈布斯王朝（Hapsburgs）將之欽定為首府，繁榮富庶的情況達到鼎盛。由於中世紀時期受到文藝復興思想衝擊，整座城鎮不的建築風格充滿強烈的特殊色彩，藝術人文氣息濃郁，更是中歐古跡保存最完善的古城之一。 一座猶如大胃袋的憜圓形發光體竟然矗立在這座充滿古老建築的老城裡，彷彿是來自外太空造訪者的一個玩笑。來自英國的建築師彼得．庫克（Peter Cook）與柯林．傅尼（Colin Fournie）所組成的工作團隊

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辛辛那提羅森塔當代藝術中心 設立於1939年的辛辛那提當代藝術中心，至今已經超過六十年的歷史卻仍不斷尋求創新的可能。一家位於大城市的藝術中心，其功能自然必須是更多元而能符合當代都會生活的需求，以當代藝術展覽與表演節目為主要內容的辛辛那提羅森塔當代藝術中心新建築計畫案是建築師薩哈．哈蒂在美國第一個設計完成的個案，也是美國境內第一個由女性建築師所設計的美術館。 《紐約時報》建築評論家默斯坎普（Herbert Muschamp）稱這所藝術中心為「自冷戰後最重要的美國建築」 ，亦被稱為「都市中的綠洲」，當然如何來形容見仁見智，可以肯定的是本設計案有其重要的價值與定位。哈蒂（Zaha Hadi）設計出一個好像許多大小不同的方形盒子所堆積起來的一個集合體，讓原本僵硬冷感的都市空間充滿了流動的韻律，樓高6層的建築以交錯的堆砌的方式製造出似乎可以分離肢解但又緊密結合的效果。

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自從1997年由法蘭克．蓋瑞為西班牙畢爾包所設計的古根漢美術館開幕之後，美術館建築開始享有與藝術家作品同等地位的重視，建築師蓋瑞的名氣一夕之間跨越建築師的領域往美術圈邁進，繼之而建美術館建築也開始被市人當做藝術品一樣品頭論足。美術館的重要性與價值除了既有的收藏與定期的策劃展覽之外，美術館的建築也成了被評估的指標之一。畢爾包，一個旅遊地圖上不會出現的工業城搖身一變成為前往西班牙不可錯過的旅遊聖地，畢爾包古根漢成為必到的景點，許多人或許早以忘了或者從來沒有提過到底參觀了哪些展覽，倒是所有人絕不會少了曾經到過此地的記憶。 美術館不再只是藝術家展覽的舞台或是藝術品的收藏所而已，美術館還有妝點城市的新功能，建築師成了改變城市風貌與景觀的魔術師。 公立的美術館設立緣起於啟蒙時代，法國巴黎的羅浮宮於1793年對外開放「大畫廊」（la Grande Galerie）堪稱代表，

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德國表現主義（Expressionismus）的兩個代表團體橋派（Die Brücke）與藍騎士（Der Blaue Reiter）藝術家開始忽略對象主題的形式描繪，著重內心情感的表現，尤其是疏離痛苦的情緒透過此方式傳遞更真切強烈。德國戰前社會被納粹箝制，戰後又讓整個國家頹喪失去自信，一群出生在四零年代中末期的藝術家對這個錯誤的歷史產生強大的質疑，對於納粹與德國引發的大戰都應該重新審視，並與國際的後現代主義浪潮試圖對話。 「新野獸」（Neue Wilden）或是「德國新表現主義」（Neoexpressionismus）於六零年代在德國運育而生，不具理性分析卻帶有強烈本能特質的繪畫不僅在藝術界成為浪潮也影響了社會的議題，尤其德國當代的歷史文化背景鼓動了這一個風潮。當時代表的藝術家有巴澤利玆（Georg Baselitz）、基佛（Anselm Kiefer）、印門朵夫（Jörg

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當代藝術市場指標年度統計的《藝術指南》（Kunstkompass）於2008年11月經理人雜誌（Manager）公佈的結果，除了連年稱霸的里希特以及不遑多讓的波爾克之外，格奧爾格‧巴澤利茲（Georg Baselitz）排名逐年往前推進，繼2007年的第七名之後，2008年繼續耀升排名第四，前五個名次，德國藝術家佔了四席，不得不令人對德國戰後逐漸闖出名號的這批藝術家投以關注。 巴澤利茲出生於1938年，他的家鄉卻於戰後被劃歸為東德受到蘇維埃共黨政權的統治，1956年巴澤利茲前往東柏林學習繪畫，鑽研社會寫實主義繪畫的轉變過程裡，讓他開始注意到變體失真的形象以及精神疾病的興趣，這個方向的研究也成為他日後創作形象的一個主體。但是依年後他便逃往西柏林，柏林的生活體驗使得藝術家更深切感受到孤獨寂寥的落寞心境，尤其面對西柏林的自由與開放，成長於東邊的敏感藝術家有著比常人更深刻的心靈糾結，

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德國當代藝術除了里希特（Gerhard Richter）與勞賀（Neo Rauch）之外，到底還有誰是評論界與市場都不能忽略的首選人物？ 答案是----希格瑪‧波爾克（Sigmar Polke, 1941-2010）。 自1970年開始當代藝術市場指標年度統計的《藝術指南》（Kunstkompass）每年十一月定期於資本家雜誌（Capital）公佈當年的結果，多年來也與具有悠久歷史的科隆藝術博覽會（Art Cologne）合作，但是自2008年起改與經理人雜誌（Manager）合作。據2008年11月所公佈的年度統計，毫無意外，里希特再度掄元，自2004年至今王者地位繼續稱霸，絲毫未見動搖。德國當代藝術界另一位巨星也是自2004年起年年入榜，穩坐季軍寶座，2005年甚至爬升至亞軍的地位，2001年排行冠軍時，里希特還只在亞軍的順位。與這兩位德國超級巨星年年纏鬥的則是美國藝術家紐曼（

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戰後歐洲的文化代表人物之一，德國當代藝術家安塞姆．基佛（Anselm Kiefer）的創作源自於他對歷史、神學、神話、文學、以及哲學的高度覺察，運用多樣的媒材如引線、水泥、麥管、黏土、花草、種子等，因此他的作品總是透露著貫穿時空卻又存在於現實大地的覺醒。 出生於1945年德國西南方巴登符騰堡聯邦（Baden-Württemberg）黑森林地區的小鎮多瑙艾辛根（Donaueschingen），基佛於佛萊堡（Freiburg）的一所大學研讀法律，之後轉讀藝術，然而對他日後創作產生重大影響的則是轉學到杜塞道夫邦聯藝術學院（Staatliche Kunstakademie Düsseldorf）認識了約瑟夫．波伊斯（Joseph Beuys）。波伊斯毫無疑問是二十世紀後半頁最重要且影響後世深遠的藝術家與社會運動的代表人物之一，遊走在社會、政治與藝術的邊緣，不斷製造出話題與議論的行動，

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里昂（Lyon）位於法國東部，是法國的第二大城；釜山廣域市（부산 광역시）位於韓國東南方，是該國的第二大城市。一個在歐洲，一個在亞洲，卻同樣有著老二的宿命，巴黎的名氣遠播全世界，花都美名、文化藝術的匯集地，使得里昂相形失色；首爾執韓國政治經濟與文化的牛耳地位，韓國年輕人以遷往首爾讀書或就業為人生大目標，國際文化藝術活動大多集中於此，2010年首爾更將成為設計之都。 法國里昂 據歷史紀載，里昂建城於西元前四十三年，是介於巴黎與馬賽兩個城市之間的重要樞紐與經濟商業中心，雖然城市不靠海，但因里昂坐落於西歐的十字路口，被地中海，大西洋以及東歐地區圍繞，同時位於羅納河（Rhône）與索恩河（Saône）兩條河流的交匯處，成為交通的樞紐。文藝復興時期，義大利商賈的影響力遍及歐州，鄰近的法國當然不例外，更由於里昂的特殊交通地理優勢，歐洲國際銀行經由阿姆斯特丹到義大利熱納亞，

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威尼斯雙年展（ a） 有水上之都美譽的威尼斯（義大利文Venezia）位於義大利東北部，自西元452年開始建城，八世紀時為亞得里亞海域（Adriatic Sea）的貿易中心，中世紀時更是地中海地區最繁榮的商城，英國大文豪莎士比亞（W. William Shakespeare，1564～1616）的名劇《威尼斯商人》也以此地為故事背景。 整個威尼斯城被超過一百六十多條運河分割成一百一十八座小島，整個城市便是由這些群島組合而成，大運河（Grand Canal）將威尼斯劃分成兩大部分，運河兩岸儘是富麗堂皇的宮殿建築，超過百座的文藝復興與巴洛克宮殿妝點出最浪漫的威尼斯景致，這些建築也見證了當年威尼斯的繁華。威尼斯雖然曾經遭遇祝融侵襲也曾經淹沒在整片海水之中，但經過整建恢復處處依舊是美景。聖馬可廣場（Piazza San Marco）是威尼斯城的中心地標也被稱為歐洲最美的廣場之ㄧ

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1976年出生於於韓國天安市，辛基雲來自於藝術世家，父親也是韓國本土受敬重的油畫家，2003年畢業於首爾國立大學雕塑系碩士班、2010年畢業於倫敦哥德史密斯學院（University of London, Goldsmiths College）藝術創作碩士班，目前仍在倫敦創作。2004年辛基雲就參加了光州雙年展、2006年在首爾舉行個展受到好評，旋即於2007年德國卡爾斯魯媒體藝術中心ZKM參加由李園一策展的「溫水層—亞洲新浪潮」（Thermocline of Art. New Asian Waves），繼之又受邀在法國、匈牙利、英國等地展出。2008年參加阿根廷烏蘇艾亞「世界的盡頭雙年展」（Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina）與首爾國際媒體藝術雙年展（Seoul International Media Art Biennale）。

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2008年金融風暴侵襲全世界，杜拜的夢想瞬間幻滅，許多建設就此打住不再進行，圖留黄梁一夢。正當世人都在注意杜拜如何度過舉債危機的同時，阿布達比（Abu Dhabi）展現了傲人的經濟實力，阿布達比政府2009年決定出資一百億億美元協助杜拜履行償債義務，其中包含到期的41億美元Nakheel伊斯蘭債券。阿布達比擁有全世界第五大石油蘊藏，同時也是全世界最富有的城市（根據Fortune雜誌與CNN的報導），此時所展現的經濟實力傲視全球。 位於阿拉伯半島上與沙烏地阿拉伯及阿曼為臨，面對阿曼灣與波斯灣的阿拉伯聯合大公國（United Arab Emirates）由七個酋長國組成，國土面積約為台灣2.3倍大的蕞爾小國。1971年才正式組成聯合政府，自1966年這個區域發現石油以後，經濟發展從珍珠採集地區成為石油巨富國家，據統計阿聯的國民年收入平均接近五萬美元。除了油產豐富，

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1970年出生於以色列北方阿弗拉市（Afula, Israel）的雅薾 芭塔娜（Yael Bartana）畢業於耶路薩冷的國立藝術與設計學院Bezalel Academy of Arts and Design，在校期間主修攝影，因此奠定了她未來創作以影像攝影為主的基礎。曾受邀參加聖保羅、利物浦、伊斯坦堡雙年展與卡塞爾文件大展。重要的美術館個展包括Museum of Modern Art in Warsaw、Van Abbemuseum in Eindhoven、PS1 in New York、Kunstverein in Hamburg與Moderna Museet Malmö。 芭塔娜以攝影、錄像、聲音、裝置等影音畫像編輯，透過真實事件與虛構故事的交替呈現，擷取歷史片段紀錄穿插再現的表演，遊走在歡愉與嚴肅之間思索人類基本條件準則的平板化，並質疑所謂「國家共有特徵」的危機。

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海珊‧瑞馬尼安期待他的作品於呈現時都能引導出社會的討論，雖然1980年於美國出生，卻是在伊朗成長並接受教育，因此他有著中東人對社會族群的強烈認同與狂熱，作品也經常引喻伊朗社會的爭執與暴亂現象。 德黑蘭成長與求學期間進入藝術學院受教於中東書法大師Mohammed Ehsai，透過藝術家Ahmad Amin Nazar的介紹，有機會鑽研David Hockney, Egon Schiele 與 Francis Bacon的油畫。回到美國後，瑞馬尼安又繼續進入用美術與繪圖設計學院，因此在他的藝術學習生涯中有純粹的美學基礎，也有最商業化的設計觀念。其後他為塔森出版社（Taschen） ‘Design for Obama : Posters for Change'一書作美術設計，讓藝術界發現了一位新星的出現。 2009年起瑞馬尼安選擇了杜拜為生活與工作的重心，租下了原為伊朗兄弟檔藝術家

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1977年出生於敘利亞首都大馬士革，歐瑞比2000年於當地美術學院畢業後開始專業的繪畫生活，也是當前敘利亞年輕藝術家中極為活躍的一員。 歐瑞比對人像素描特別感到興趣，然後逐漸於作品中加入身軀與不同的群體，而非單一的人像，但是不論他所描繪的對象是男是女，亦或兒童、成人，最值得品味的是形體的線條與運用在畫布上的單純色調。自由揮灑與重複描繪形體的線條看似未完成卻充滿無盡的想像空間，畫中人物也轉變得越來越像卡通或漫畫充滿童趣。大部分的作品名稱不論畫面有多少人物，不論性別年齡，都叫做＂自畫像＂，暗喻著每一個人物都在努力呈現自我。 藝術家曾經花了許多的時間逗留在醫院的嬰兒房觀察新生命，這些才開始迎接世界的新生命激發了他更多的靈感，也塑造了他作品樸實的風格。作品中的主題對象背景幾乎是單一的顏色，透過簡單的線條與色彩，甚至不刻意描繪臉部細節的處理，歐瑞比希望凸顯出人物內在的情緒，

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血緣裡母親來自巴基斯坦、父親來自印度，家庭成長裡繼母是愛爾蘭人，1974年於倫敦出的謝查德‧達武德內在血液與外在生活都是混雜的認同。2000年畢業於英國皇家藝術學院、2008年取得里茲大學藝術博士學位，他的作品裡經常像反射鏡一般不斷映照出社會對不同文化價值的批判。 達武德從小就開始進出攝影工作室，一方面是興趣，另依方面也為了賺取生活費，對於影像的關照還有科技、光線、人物動態的知識都給了他最原初的藝術養分。創作初期以錄像為創作重心，之後又使用不同媒材的裝置來增加作品的概念。他更喜歡與不同領域的藝術工作者合作，特別是中東、印度等地的素人表演藝術工作（音樂、戲劇），讓他們的表演與達武德的作品融合，在展覽中出現或者成為錄像作品。 2008年達武德的創作計畫以山謬貝克特的「等待果陀」為藍本，邀請自阿拉伯地區移民到義大利米蘭的小朋友參與演出；杜拜第三防線畫廊（The Third Line）

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來自埃及的哈山‧肯恩，1975年於開羅出生，是中東當代藝術家中極為活躍的社會運動參與者，他不是直接訴諸抗議行為，而是演講與作品的展覽藉由藝術闡釋所具有的觀念與語言上角色功能，他不僅是藝術家，也是音樂家，更是透過藝術的社會運動者。 肯恩的創作通常與展覽的環境都會有非常強烈的連結，他甚至花上數個月在美術館的所在地區居住，觀察當地人的生活與環境特色，並觀察美術館與大眾之間的角色功能與其互動。透過聲音藝術、文字、表演、攝影、錄像、裝置不拘形式的創作來達到他為藝術發聲的初衷，同時也顯示出這位藝術家寬廣的思考角度與行動力。他更經常在報紙雜誌等媒體刊物發表文章，同時也出版聲音專輯tabla dubb。 肯恩也可以說是非常道地的在地藝術家，出生於埃及開羅，至今仍在此地生活、創作。非洲最大的城市，官方統計的住民約一千七百萬，如果加上遊民、無殼蝸牛可能超過兩千五百萬人。

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一個年輕人站在家鄉沙烏地阿拉伯南部的一個小村莊的傳統住房屋頂上，正努力的調整電視天線，希望接收葉門或者遠渡紅海到蘇丹的消息。這只是藝術家馬特作品中的一景，不論是錄像、攝影、或者多媒材裝置，1979年於沙烏地阿拉伯出生的亞孟‧馬特特別擅長藉由日常生活的場景或事物，透過虛實交替的象徵意象描繪中東地區的社會現狀，直指居民的心理內在。電視天線對他這一代的沙烏地阿拉伯青年是當時與外界聯繫、瞭解世界重要的管道，代表了一種與世界溝通的渴望。 馬特的創作靈感源自於童年記憶與個人生活經驗，尤其是沙烏地阿拉伯南部老家Asir的老房子裡，母親在他幼年時代以傳統的裝飾打理家中的一桌一椅，因此對於屬於阿拉伯的色彩與形象也都會出現在他的作品中成為特殊的標記。 2006年倫敦大英博物館的「藝術里的文字」（Word into Art）展覽展出馬特的"X-Ray 2003"，以醫學Ｘ光儀器所掃描的人體光片，

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從銀行家轉型藝術經紀－阿仰畫廊與藝術拍賣公司負責人沙馬蔚專訪 成立於2006年的阿仰畫廊短短幾年間已經成為中東地區最成功也最具有影響力的經營此地當代藝術的龍頭。從簡短的訪談裡可以了解負責人卡列德沙馬蔚（Khaled Samawi）對中東地區阿拉伯當代藝術的看法與其藝術經營之道。 問：首先我們先從對藝術的熱情聊起，我相信這也是你當初在敘利亞大馬士革成立第一家畫廊的最初動機。你曾經是一位銀行投資專家與企業家，如今轉色轉換成為社會與文化藝術經營者，是什麼原因促使你做出如此大的事業轉變？有任何特殊的原因或背景嗎？ 答：我的大部分成年以後生活都在瑞士日內瓦度過，當時我還是個銀行投資專家。2001年很幸運的我有機會將公司成功出售並且移居回故鄉大馬士革。直到2006年我可以在事業上有半退休的機會，但是多年來我一直都是一位藝術愛好者、贊助者以及收藏家，因此順勢就成立了阿仰畫廊。

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初來乍到杜拜會被一棟又一棟超級豪華辦公大樓、五星級大飯店，還有世界最大的購物中心、世界最長的無人駕駛由中央系統控制的捷運所震攝。十年前還是一片沙漠，如今已經成為中東地區最新興繁華的摩登城市。 杜拜充斥著國際公司以及外來的就業人口，人來人往都環抱著淘金夢短暫停留於此，一個無根的生活環境，缺少了當地文化背景的城市如何發展當代藝術著實令人好奇 。就像是這些不斷被劃在設計藍圖上然後用金錢堆疊出來的高樓，藝術在這裡當然也需要金錢的堆積，而且也不是尋常百姓人家的生活。不像沙迦藝術基金會將藝術當教育，也不像阿布達比文化基金會視文化藝術為傳承，當代藝術在杜拜說穿了也是商業活動的一環，但是卻讓紙醉金迷的沙漠城市多了一些文化氣息。阿拉伯聯合大公國的三個大城市，大大小小的畫廊總數約有415家，其中一半以上聚集在杜拜，20%位於阿布達比、12%位於沙迦。但是實力雄厚的畫廊能成為中東畫廊業的代表和品牌者，

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曾經執中東地區文化藝術牛耳的貝魯特、德黑蘭、耶路薩冷、開羅等城市堅守著屬於回教與猶太世界的文化傳統，但是終年不斷的內戰與政治危機連帶也影響了社會的安定與文化藝術的發展。阿拉伯聯合大公國卻以穩定的政治社會局勢首先立足在中東地區，杜拜成了新的經濟貿易自由特區、沙迦有著最自傲的雙年展與公共藝術教育、首都阿布達比立志成為未來的五星級文化藝術特區。 沙迦藝術基金會 Sharjah Art Foundation 沙迦藝術基金會雖然於2009年才正式成立，但是此前沙迦地區早已經就有許多當代藝術活動，包括至今已舉辦十屆超過二十年歷史的沙迦雙年展，也是中東地區最有代表性與重要性的當代藝術展覽。基金會另一項重要的目標是當地居民的藝術教育，因此全沙迦市的博物館與美術館都免費開放給所有民眾參觀，特別是沙迦雙年展期間可以看見居民全家大小或是學校的教師與學生成群結隊參觀藝術展覽，亦或是在美術館前廣場休憩，

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阿仰藝術拍賣公司是杜拜第一個由中東本地所成立的藝術拍賣，自2009年成立後每年舉辦兩場拍賣會以及兩場以年輕收藏家為對象的藝術拍賣（所謂的年輕不是以年齡來定義而是進場的資歷，因此即使高齡九十也可以參加拍賣會），有別於一般拍賣會以藝術品分類為主軸的經營策略，將收藏客群目標作為拍賣作品的選擇標準。 阿仰藝術拍賣公司主力集中於中東當代藝術，以阿拉伯文化地區為主，兼及土耳其與伊朗的當代藝術。雖然拍賣公司的成立來自於畫廊，作品的徵集與選擇並不限於自家畫廊的藝術家，甚至積極與區域的私人畫廊合作。 2001年4月的年度拍賣的第一場七十件拍品主打在本地已經享有盛名且作品多被美術館收藏的藝術家作品，其中大部分的作品來自兩位政治人物敘利亞前總理艾爾卡塞姆（HE Dr. Abdul Raouf al Kassem）與黎巴嫩國會議員艾爾瑪奇諾克（HE Nohad al Machnouk）的收藏。

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佳士得拍賣會 2011年4月15日佳士得於杜拜所舉辦的阿拉伯、伊朗與土耳其現代與當代藝術拍賣會（Modern and Contemporary Arab, Iranian and Turkish Art）再度刷新紀錄以接近八百萬美金總成交價高過會前預估。會場上最受矚目的莫過於來自沙烏地阿拉伯屬於阿拉伯邊界（Edge of Arabia）團體成員的6件作品拍出超過百萬美金的佳績。 埃及現代藝術史的超現實藝術大師（Abdul Hadi El-Gazzar 1925-1965）1957年作品＜捕魚＞（Fishing）以一座石牆拱門將畫面分割成遠近兩個空間製造出寬遠的視覺效果，遠方是面對大海的漁船、畫面前方逼近觀者的則是一張憂鬱的婦女面容與大貝殼，兩個空間之間充滿各個漁人的生活寫照與物品，豐富多采勝過一部小說，果然拍賣開始就出現競爭，以接近75萬美金超過預估底價三倍的數字($250,000

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位於中東地區波斯灣岸的小國阿拉伯聯合大公國卻是個可以世界各國抗衡的富國，杜拜的現代化城市幾乎是一張張鈔票所堆積出來，如今他們也要靠這些建設與文化藝術、觀光旅遊將一張張鈔票賺回來。2007年首度出現的杜拜藝術博覽會驚艷當代藝術市場，畫廊業者才發現一塊還未開發的當代藝術市場處女地竟然藏身許多中東鉅富正在搜尋藝術品；2009年阿布達比靠著本身的經濟實力出手拯救瀕臨瓦解的杜拜新建設案，杜拜藝博會也處在風雨飄搖的關鍵點，阿布達比旅遊發展投資公司Tourism Development & Investment Company (TDIC)聯合阿布達比文化資產總局Adu Dhabi Authority for Culture and Heritage (ADACH)公佈舉辦阿布達比藝術博覽會，加入藝術市場的戰局。 杜拜藝術博覽會 Art Dubai 2007年首屆杜拜藝博會邀集了來自全世界38

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中東藝術的繁榮發展與市場交易，在西方強權未主導之前，傳統上分別在德黑蘭、貝魯特、開羅等城市，杜拜的崛起不過是這五年的光景。但是今天談到中東當代藝術或是交易市場的穩定形成，不得不承認杜拜已經成為市場的中心。 除了地理的優勢，阿拉伯聯合大公國的政治與經濟比起中東其他國家都明顯穩定而無動亂，皇室酋長國對文化藝術的長期支持與支援，在各種有利條件的配合下，杜拜具有當仁不讓的氣勢。 探索中東當代藝術市場，從杜拜出發！

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一位義大利建築師的中國傢飾收藏 十七世紀末、十八世紀初，中國的城市經濟與文化發展早已進入黃金時期，傢俱的設計與製作因為文人與士大夫（特別是江南文人）的審美情趣，逐漸形成雅致、簡約的濃郁文化氣息。他們從書齋走向園林，對於清秀高雅且樸素天然的傢俱風格特別青睞，為適應江南的氣候與風情，明代傢飾也相應地透露出獨特具有清高飄逸的文風與超凡脫俗的品味。 不僅僅是設計的觀念與原則，中國人的天賦與創見早受肯定，對於材質（硬木）的挑選與使用更是一絕，工藝的精細（鑲嵌完全以硬木處理不假其他輔助等技術）也令人嘆為觀止。而在形式上的呈現又充滿了飽滿的自信與雍容，卻又不顯露出外放的傲氣。種種的風韻就如同明代文震亨所著《長物志》中言：「室廬有制，貴其爽而倩，古而潔也；花木水石，貴其秀而遠，宜而趣也；幾榻有度，器具有式，位置有定，貴其精而便，簡而裁，巧而自然也。」用之於當今的建築設計，卻是一條極富深意的律則

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360°名人現身，無所遁形－科姆特攝影回顧展 法國第一夫人卡拉布妮（Carla Bruni）十五年前的艷照在蘇富比拍賣會場上出現、巴西籍德裔超級名模姬賽兒（Gisele Bundchen）大解放、德國賽車明星舒馬赫（Michael Schumacher）竟然沉穩低調又溫和。這些名人在攝影師柯姆特（Michel Comte）的快門捕捉下都呈現了不為世人認知的一面，同時也滿足了世人的好奇心。 1954年出生於瑞士蘇黎世的柯姆特最早學的是藝術品修護，然後自學攝影闖蕩江湖。1979年幸運之神降臨，德國時尚設計大師拉格菲爾德（Karl Lagerfeld）點名由他為品牌Chloé拍攝廣告宣傳照，他也搬到巴黎開始了專業的時尚攝影。 1981年柯姆特搬到紐約，隨後又遷往洛杉磯為時尚雜誌Vogue擔任攝影。他如此形容自己毫無止盡的工作：我經常生活在某種邊緣。

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Dream and desire can be the most valuable and unforgettable secret and delight when a boy turns into a man. But the artist, Shin Ki-Woun, is trying to destroy the images, figures, belongings and belief. The studio of the artist is like a destruction factory full of different size self-designed machines, which can grind almost anything from tangible into formless powder. As the novelist JD

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近幾年流行時尚設計大行其道，媒體與名人推波助瀾成了最佳的宣傳，但是仔細推敲時代的推移其實也是有機可循。過去物質缺乏、經濟蕭條的時代，人們重視的是實用價值；如今世代轉移，除了實用之外，我們也開始追求生活的品味，這也代表了新時代生活的特色。以往的美術館或博物館都以繪畫、雕塑或者其他視覺藝術創作為主，其實我們也發現還有許多不同的博物館產生，家飾設計、流行時尚、香水、鑽石博物館展現了新的創意與生活。 傢飾設計博物館 位於德國、法國與瑞士三國交界的德國小鎮威爾（Weil am Rhein）臨近萊茵河因此得名，居民不到三萬人卻有個全世界聞名的維特拉設計博物館（Vitra Design Museum）。先不談收藏與展覽，光是整個園區的幾棟建築都由大名鼎鼎的建築師群設計就絕對值得前往參觀：設計製造工廠廠房的建築師有西薩（Alvaro Siza）、葛林修（Nicholas Grimshaw）、蓋瑞（

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德國錄像藝術家朱利安•羅瑟菲爾德特（Julian Rosefeldt）的作品若要說在國際上最大的能見度應該是曾經以「蘿拉快跑」（Lola rennt）一舉成名的德國導演湯姆•提克威爾（Tom Tykwer）令一部執導的電影The International片中，在紐約古根漢美術館裡男主角克里夫歐文（Clive Owen）與女主角納歐密華滋（Naomi Watts）追逐場景中，緩慢移動的錄像展覽作品就是來自羅瑟菲爾德特。 如此大費周章描述其實是在說明這位藝術家還沒有 受到亞洲藝術圈的重視，但卻是値得介紹的藝術家之ㄧ。羅瑟菲爾德特曾受邀參加聖保羅雙年展、塞維亞雙年展與第一屆雅典雙年展，多頻道錄像作品呈現同依事件 的不同角度，或者是類似情境不同事件，藝術家經常以緩慢的運鏡包覆瀕臨崩潰的巨大情緒，形成更強大有力的震撼。

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韓國是一個在各方面轉變極為快速的國家，不論是政治、經濟、文化、社會或者是藝術都有著令人驚訝的躍變活力，自早前中國的藩屬、日本的殖民痛苦經驗、一直到韓國國內的政治局勢，1948年大韓民國成立，1950-1953年爆發戰爭、光州事件、學生標舉民主的抗爭，血淚的揮灑幾乎成了韓國人日記裡無法抹滅的印記。1993年金泳三代表民自黨在競選中提出「穩定中推進改革」、「清廉的政治」、「強有力的政府」等口號，獲得民眾空前的支持，韓國開始邁向一個新的紀元。 「民眾藝術」則是藝術家對於舊體制與當時約定俗成觀念的反動，藝術家認為單調的形式主義根本無法呈現韓國獨特的社會與歷史背景及現況，他們開始從平民百姓的生活找尋靈感與素材，描繪鄉村生活與貧窮的現實人生，道出工人階級在資本主義宰制下的心聲，更毫無顧忌的使用以女性為主的性愛照片或文字強調主體意識，一連串有組織的藝術家革命在韓國出現，雖然於1988

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伊斯坦堡雙年展雖然在土耳其舉行，屬於歐亞邊陲地帶，多年來卻已經建立起重要的當代藝術雙年展聲譽。特別是一個完全屬於民間、私人企業贊助的非政府機構組織伊斯坦堡文化藝術基金會標榜獨立於國家政治與經濟的掌控，文化藝術能夠有更大的自主性，尤其在土耳其產生這樣一個雙年展，其當代藝術特質更為彰顯。 自1995年第四屆伊斯坦堡雙年展開始，邀請來自世界各地策展人策劃，將原本屬於只是土耳其當代藝術家的舞台擴大為世界性藝術展覽，來自世界各地（大部分為西方）的藝術視野豐富了土耳其的藝術，同時也引進更多國際的資源。 2011年9月將舉行的第12屆伊斯坦堡雙年展於前一年4月即公佈策展人名單，策展人佩德羅沙（Adriano Pedrosa）與霍夫曼（Jens Hoffmann）於2010年10月於伊斯坦堡公布新一屆的雙年展主題為「無題」。引用自英年早逝的古巴裔美國藝術家岡薩雷茲-托瑞（Felix

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中東、北非與南亞地區最大的私募股權集團阿布拉吉（Abraaj Capital）總部位於杜拜，自2002年成立以來募集超過七十億美元資金，投資25家不同產業的經營。阿布拉吉藝術大獎（Abraaj Capital Preize）獎金壹百萬美元，與全世界的藝術獎項來比較可稱為高額的獎項，但是其中最具意義的不僅在於獎金的多寡，而是私人與企業對當代藝術支持型態的轉變。 企業家支持當代藝術，很大的利基點在於為自家的品牌鍍金，增加不同的品味與社會形象，這些宣傳效益甚至多過單純的廣告發行。各地公立美術館受到私人或企業的捐贈相對減少，基金會與藝術獎項的成立成了新的趨勢。 阿布拉吉藝術大獎每年在杜拜藝術博覽會同時展覽與公佈得獎藝術家，自2009年第一屆如今已成了中東、北非與南亞當代藝術界的大事之ㄧ。得獎作品也都成為集團的收藏，藝術家的名氣也水漲船高，多已有國際大展的邀請，如阿爾及利亞藝術家阿提亞（

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The CaixaForum is located in the heart of Marid, joining together with the city´s golden triangle El Prado, Musep Nacional Centro de Arte Reina Sofia and Thyssen´Bornemisya Museum. The museum is housed in a converted power station, a significant industrial architecture since 1899. The classified brick walls of the former power station are reminiscences of the early industrial age in Madrid.

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布雷根茲夏日藝術節（Bregenzer Festspiele） 奧地利的小鎮布雷根茲（Bregenz）位於博登湖（Bodensee, 英文與中文譯名為康士坦丁湖）旁，博登湖位於德國、瑞士與奧地利的交界，是夏季遊客最愛的景點之ㄧ，湖旁有許多風景優美的鄉鎮風光。布雷根茲居民到三萬卻 有一座2009年普立茲建築獎得主彼得楚姆特（Peter Zumthor）所設計的布雷根茲美術館（Kunsthaus Bregenz）與最富盛名的夏日藝術節（Bregenzer Festspiele）全世界最大的水上舞台（Seebühne），整個舞台的全部設計與演出都在博登湖上。 布雷根茲夏日藝術節自1946年創立，最知名的水上舞台每次藝術節只演出一部歌劇，因為舞台設計全部依據演出節目安排，1985年起每兩年僅演出 一部歌劇，但是年年爆滿，每場水上午台的演出可以容納約七千名觀眾。2010年從7月21進行至8

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莎士比亞（William Shakespeare,1564-1616）的經典喜劇「仲夏夜之夢」（A Midsummer Night's Dream）幾百年來不斷在全世界各地上演，尤其是在歐洲的夏日餘暉中演出，更顯現了劇場的魅力；西洋歌劇的動人情節與催人熱淚的詠嘆調彷彿甜蜜的魔咒，召喚觀眾夜夜進入歌劇院跟著劇中的主角悲喜。威爾第（Giuseppe Fortunino Francesco Verdi）的《阿伊達》（Aida）與《茶花女》（La traviata）、普契尼（Giacomo Puccini）的《杜蘭朵公主》與《托斯卡》（Tosca）、莫札特（Wolfgang Amadeus Mozart）的《費加洛婚禮》（Le nozze di Figaro）與《魔笛》（Die Zauberflöte）、比才（Georges Bizet）的《卡門》（Carmen）

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台北的一零一大樓曾經是世界最高的建築，但是自從2010年元月以後這個紀錄就被位於杜拜（Dubai）的摩天大樓哈里發塔（Burj Khalifa）所取代。原名為杜拜塔的哈里發大樓總高度828公尺、169層樓高，總造價十五億美元，總建築師是芝加哥史基摩爾－歐文斯與梅瑞爾建築事務所（Skidmore, Owings and Merrill，SOM）的亞德里安史密斯（Adrian Smith），主要承建商韓國的三星SamSung C&T以獨特的興建工程方法，每三天就蓋好一層大樓令世人讚嘆。杜拜的帆船飯店（Burj al-Arab阿拉伯塔）曾經是杜拜的標誌，就像一座大雕塑矗立在海灣；亞特蘭提斯大飯店於2008年正式開幕，當年的開幕煙火秀全世界現場轉播，詔告世人杜拜的旅遊時代方興未艾。加上當代的自由貿易區、全世界最大的購物商城，杜拜展現了滄海變桑田的金錢攻勢，

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阿拉伯聯合大公國（United Arab Emirates簡稱UAE）由七個酋長部落組成，1971年才正式成立為獨立國家，位於阿曼與沙烏地阿拉伯之間並有阿曼灣與波斯灣海岸，是中東沙漠以出產石油著稱的國家。阿布達比（Abu Dhabi）為其中最大的酋長國也是阿聯的首都，而杜拜（Dubai）則是全世界著名的人工島，可是當代藝術卻發生在伊斯蘭宗教最為濃厚與保守的沙迦（Sharjah）。沙迦，於1998年第一個被聯合國教科文組織認定為阿拉伯文化首都的城市，因此整個地區不論是建築以及居民生活型態都還保有非常濃厚傳統的阿拉伯文化特色。 沙迦雖然與杜拜緊鄰，從杜拜驅車前往沙迦視野所見便可感受到環境氣氛的差異。杜拜創造了神話，沙迦卻還保有伊斯蘭文化的傳統精神與精神誡律，整個城市除了國際飯店之外完全不提供含有酒精成分的飲料，食物中禁絕豬肉。每天上下班交通顛峰期間，大巴士載著一批批的勞動工人從沙迦前往杜拜

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藝術不僅是用雙眼觀看、雙耳傾聽，甚至漸漸的越來越多的作品可以雙手去觸摸、以身體去體驗。日常生活中需要的設計美感不再只是奢華，而是漸漸成為潮流。藝術生活貼近人們的距離，巴塞爾藝術博覽會期間也可看出這樣的趨勢。 邁入第六個年頭的邁阿密／巴塞爾設計博覽會所聚焦的即是家居生活中最需要的傢飾設計，來自全世界的畫廊也以經營設計為主，跳脫過往畫廊專營視覺藝術的印象，從設計界的大師到建築界的巨人都在設計名錄中，建築師哈蒂的桌椅設計維持了她一貫的流動線條與冷峻；也有畫廊邀請視覺藝術家設計舞台劇場，這些創作計劃在表演結束後都成了獨一無二的傢飾品，但是不僅可供欣賞也有實用價值。博覽會開幕當晚不僅收藏家捧場，連流行設計界的巨星Jil Sander與超級名模Naomi Campbell都在6000名賓客之列。設計博覽會逐漸成熟，同時培養了一批從視覺藝術界而來的收藏群。 回過頭觀察巴塞爾藝術博覽會，

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「藝術疾走」 單元是巴塞爾藝術博覽會繼「藝術無限」之後，另一個成功開闢的新藝術單元。「藝術無限」標榜偌大的展出空間、「藝術疾走」則是藉由藝術家與作品帶領觀眾認識巴塞爾的歷史與風光。 去年由彥斯•霍夫曼（Jens Hoffmann）所策劃的展覽以巴塞爾教堂（Basel Münster）教堂周邊歷史區與萊茵河岸為舞台，今年則轉往聖阿爾班凹地流域（St. Alban-Tal），全長約一公里，觀眾一邊欣賞十位藝術家作品的同時，其實也在了解巴塞爾的歷史，許多建築物都是為了此次展覽才開放。聖阿爾班凹地流域被巴塞爾人暱稱為「小威尼斯」，小高地流洩的河川與橋梁（巴塞爾當代藝術館於其間）、靠水力運轉能源的水車（如今是紙藝博物館）、過去的商業會所（現在 進口義大利酒商的私有屋所）、過去的捕魚小屋（如今成了萊茵河岸的特殊風光）、舊巴塞爾城牆、小教堂，這裡看來在過去就是一個充滿生氣的小聚落。

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2011年第42屆巴塞爾藝術博覽會僅接著威尼雙年展登場，雙年展與藝術博覽會雖然是兩個型態不同的當代藝術活動，近年來卻屢屢出現雙年展藝術家作品也在藝博會出現的情形。經過國際藝術大展的加持，藝術家的名氣與作品詢問度相對增高，頗有幫襯的加成效果。因此畫廊業者也樂於支付或贊助藝術家展覽的預算，兩者互謀其利，收藏家也樂見藝術家的國際能見度。 藝術展覽與藝術市場早已不再徑渭分明，收藏家也在其中穿針引線。 除了大還是大 以往「藝術無限」的大尺寸作品與展覽被稱為可以是另一個雙年展，今年預展一開始卻在會場流傳藝術作品太大，富豪收藏家即使收藏也找不到地方保存或展覽的評語。甚至 在畫廊展區，幾家畫廊如蘇黎士的Thomas Anmann Fine Art AG與Galerie Bruno Bischofberger AG兩家畫廊都主打安迪•沃荷與巴斯奇亞的大作，沃荷的《

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如何觀看一個在中東地區以阿拉伯當地文化為基礎的當代雙年展如何展現在世人面前，其精采程度都可以大書特書。 3月16雙年展才正式展開，3月18日便有超過130位來自世界的藝術家、策展人、作家同時響應由藝術家（Emily Jacir）與（Walid Raad）協同「人權觀察」組織（Human Rights Watch）聯合抵制在阿杜達比興建中的古根漢美術館分館壓榨勞工超時工作等違反人權行徑。「人權觀察」組織2009年觀察報告指出於快樂島（The Island of Happiness）的文化特區建設工程出現一連串壓榨移民勞工，低報酬、不能隨意站立偷懶以及無預示解職等不人道行為。藝術家表示於去年即透過管道與館方主事者溝通表達關心之意，但是卻沒有任何的改善，因此更大的具體抗議活動便選擇在雙年展開幕，國際媒體注意的時間發聲。 一群藝術家希望透過正式的公開活動提醒館方注意，

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沙迦雙年展期間除了雙年展為主角之外，另一個當地最重要的藝術中心與阿聯第一個私人收藏所成立的美術館坐落於沙迦市中心的Al-Qusba新購物商圈旁的歷史建築裡，馬拉雅藝術中心（Maraya Art Center）與巴爾及耶藝術基金會（Barjeel Art Foundation）展出兩檔重要的展覽：「Al Ghabi, 消失的美學」（Al Ghabi, Aesthetics of the disappearance）與「抗爭衝擊」（Strike Oppose）。 Al Ghabi在伊斯蘭的文本裡有未知的與未能見的意思，可蘭經裡提到凡人無法見到真主阿拉也無法分辨其化身，即使未知與未見，堅定不移的信念卻是不可或缺的。12個國家的27位藝術家分別來自阿爾及利亞、法國、伊朗、伊拉克、巴勒斯坦、塞內加爾、土耳其、瑞士、美國等，從年輕的阿拉伯文化背景世代來觀看消失的崇高與神聖，

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沙迦雙年展自1993年開始舉辦。2011年3月的第十屆雙年展正式開幕，正式邁入第二十個年頭，兼具地域文化特性與國際當代藝術發展脈絡，從原本地方性的藝術展覽到今天成為中東地區代表阿拉伯文化最重要的當代藝術活動。 第十屆沙迦雙年展仍由柏瑟金（Jack Persekian）擔任藝術總監，三位策展人分別為定居芝加哥身兼藝術家及作家等身份的艾法錫安（Haig Aivazian）、獨立策展人與作家莎爾提（Rasha Salti）與古根漢美術館阿布達比分館策展人寇特（Suzanne Cotter），前兩位擔任主要策劃，後者則協同參與。以主題「謀定雙年展」（Plot for a Biennial）做開放式的命題，將雙年展當作是對象目標進行創作計畫，來自36個國家的119位藝術家受邀參與，其中更有高達百分之65的作品由雙年展委託創作的新計畫，此舉在世界各雙年展中比例之高者甚少。

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中國藝術家展望與荷蘭建築團隊MVRDV透過忠泰生活開發MOT/ARTS的穿針引線，經過多次的會議討論及意見的衝擊，跨領域所合作完成的作品《假山疊塢》以限量方式讓作品除了藝術上的呈現，同時也透過行銷在藝術市場流通，成為藝術創作與商業的成功案例。 2011年6月舉辦的巴塞爾藝術博覽會其中的「藝術沙龍」（Art Salon）單元，邀情來自全世界各地正在進行或即將舉辦的展覽與創作，透過三十分鐘的現場說明與對談，提供現場觀眾當代藝術進行式的了解機會。九月即將舉行的伊斯坦堡雙年展、明年六月的卡塞爾文件大展，策展人或團隊都到現場透過不同的形式介紹說明，聽眾在現場超過百人，座無虛席，顯示了大眾對藝術訊息的高度興趣，同時也看得出來這是一個絕佳的宣傳機會。忠泰生活開發MOT/ARTS受邀在「藝術沙龍」介紹今年度的跨界合作案例《假山疊塢》，不僅是來自台灣第一人，也是「藝術沙龍」中唯一的藝術跨界／

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2007年當第一屆杜拜藝術博覽會出現在當代藝術市場版圖時，懷疑與觀望多過奇帶與肯定。就如同這個完全用金錢堆積出來的人工城市一般，人們追逐的是西方式的奢華享受及快速的經濟獲利。在這個缺乏當代藝術背景的沙漠如何嗅出文化的氣味？但是2007年的杜拜藝博會舉辦後迅速消睨了眾人的疑慮：這裡不是沙漠，是綠洲，是一塊未經開發的藝術市場處女地。 當年由倫敦的畫廊業者號召組織四十家畫廊舉辦第一屆杜拜藝博會著眼的是杜拜這個新興中東城市的西方觀點，但是現在卻成為觀察此地區當代藝術創作，特別是阿拉伯文化教育下年輕一輩藝術家的重要場合。2011年參與的八十幾家畫廊中有三分之一來自本地，即便是西方或亞洲畫廊也都多少與本地數家有接觸連繫甚至代理作品在歐美主流藝術市場推介。對於熟悉歐美國際藝術博覽會的藝術圈人士或是收藏家都像是走近了另一個大觀園，作品影像圖騰或許是我們從西方世界解讀的阿拉伯文化印象，

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2011年第五屆杜拜當代藝術博覽會於三月十六日正式開幕，來自全世界34個國家的81家畫廊參加了今年的展出。 2009年應該是杜拜藝術博覽會最艱困的一年，金融海嘯衝擊加上2009年鄰近的阿布達比（Abu Dhabi）也成立新的藝術博覽會搶進中東地區的當代藝術市場，特別是阿布達比不像杜拜仰賴外來基金，這個富裕的城市不僅是阿拉伯聯合大公國的首都，也是出產石油致富的最佳代表。阿布達比甚至規劃出新的藝術特區，羅浮宮分館、古根漢美術館分館、表演藝術中心等建築規劃案在在吸引了全世界的目光。杜拜藝術博覽會不再是標舉中東地區當代藝術市場的唯一交易中心，重新定位並且招集更多全世界的頂尖畫廊參與成為首要任務。 新任的博覽會藝術總監，今年39歲的安東妮雅•卡菲爾（Antonia Carver）接任後，首先降低畫廊的攤位租用今，今年特惠便宜百分之二十，增加吸引力也提高了與阿布達比的競爭力。

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即使他的作品已經是倫敦佳士德與蘇富比拍賣會上當代藝術家的最高價，甚至他在2002年已經於泰德現代畫廊舉辦了大型回顧展，雖然他已經被公認是英國最偉大的當代畫家之一，但是長時間以來還是不斷有人質疑。當代藝術家專事於人物畫且成績斐然者比比皆是，但是佛洛伊德（Lucian Freud）的人物畫卻最與眾不同，不同者不在於他的嫻熟技巧高於他人，或是主題鮮明有趣，而是在他不斷以一種輕蔑而充滿張力的神態描繪作品中的人物，作品中的對象時常呈現出迥異於平日的神韻。 藝術家這樣解釋他自己對於畫中人物的態度：「我畫人物，不在於因為他們表現出什麼，也並非他們就是如何，而是他們當下就是如此。」

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1920到1930年代起，德國攝影藝術從傳統中與新思想結合，逐漸發展出兩條似有關聯卻又背道而馳的創作方向：客觀主義學派與新實驗設計派別。 風景攝影家亞伯‧蘭格－帕奇（Albert Renger-Patzsch）、威納‧曼茲（Werner Mantz），植物細部研究攝影大師卡爾‧布洛斯菲爾德（Karl Blossfeldt），紀錄勞工無表情面孔的奧古斯特‧桑德（August Sander）等人開啟了德國表現主義之後新一波的美術思想浪潮。 「新客觀主義」（Neue Sachlichkeit）是對第一次世界大戰的反動與對社會現象的批判，攝影其實是整體新客觀主義藝術思潮的其中一個代表，光線於作品中所扮演的角色極為重要，去除攝影者的主觀，強調自然性的結構，甚至光學原理的運用與相片沖洗技術的研究成功的轉移了早期主觀認知的攝影美學；包浩斯學院的實驗設計美學攝影代表人物有實物投影（photogram）

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是否有一個簡短的描述來說明德國當代攝影藝術發展的樣貌存在呢？近二十年來不論德國本地或者是世界各地對於德國攝影藝術的展覽與論述始終劃分出幾個軸線：兩次大戰前的德國攝影多屬於冷調、實驗的性質；另一個分野是東西德的攝影藝術在兩德分裂期間各自朝著不同的方向發展，互不影響也缺乏交集。 尤其納粹政黨期間許多猶太人被迫流亡，甚至終生未再回到德國，《攝影書史集Vol. 1》（The Photobook: A History Vol. 1）的作者也是著名攝影師帕爾（Martin Parr）與巴德格（Gerry Badger）都認為納粹時期許多優秀的德國攝影師多為猶太人，因為流亡關係在德國本土缺席，因此戰後的德國攝影藝術家失去追尋的舵手。因此不像德國的諾貝爾文學獎得主波爾（Heinrich Böll）或葛拉斯（Günter Grass）一直重複著描述德國不堪回首的歷史；更遑論繪畫部分，里希特（

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德國導演溫德斯（Wim Wenders）的1987年電影《柏林天空下》（Der Himmel über Berlin），英文片名慾望之翼Wings of Desire）描述兩位已經在柏林居住超過千年的天使戴米爾（Damiel）與卡希爾（Cassiel），他們可以聽見人們內心的感受看盡人間事，可是他們卻沒有嗅覺與觸覺、無法感受溫度與味道，面對柏林的戰亂悲苦，天使卻只能袖手旁觀，最後戴米爾決定落入凡塵感受愛情，享受短暫的片刻，影片中呈現了冷戰時代柏林的糾結與美好；2003年的黑色幽默喜劇《再見列寧》（Good bye, Lenin!）從一個家庭的角度描繪柏林圍牆倒塌，東西柏林統一的平民生活在渴望與懷念之間的質疑，觀眾也隨著影片裡主角的情緒經歷了社會劇變的心情轉折。 二十年過去，柏林成為一座開放的博物館。來自世界各地的藝術家以低於巴黎、紐約、倫敦的租金擁有空曠的大坪數工作室，

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當代藝術界最重要的藝術家之一，來自德國的傑哈•里希特（Gerhard Richter）於今年二月分別於德國漢堡市立美術館（Hamburger Kunsthalle）與貝奇魯斯藝術論壇美術館（Bucerius Kunst Forum）推出藝術家的重要個展以及從里希特攝影繪畫所衍生的新攝影觀念展，堪稱是檢視藝術家從六零年代起創作歷程的一個關鍵階段，並以當代繪畫與攝影的觀念在展覽中詮釋新方向的可能。這也是藝術家將於年底開始在倫敦泰德現代畫廊、巴黎龐畢度中心、以及柏林邦聯美術館舉行藝術家八十慶生暖身展。 貝奇魯斯藝術論壇美術館邀請市立美術館前館長，同時與里希特私交甚篤的胥尼德（Uwe M. Schneede）擔任策畫「傑哈•里希特－時代的影像」（Gerhard Richter. Bilder einer Epoche）。鏡頭迴轉到六零年代，攝影技術產生新的變革、

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It is a mutant! The evolution’s mechanism revealed in Darwin’s “Origins of species” explains that an individual from each species makes its continuous transformation in forms and physiology and its transformation comes from its intention to survive in his life-time and for future generations. Korean Artist Yong-Hi Ji creates the mutant with pneumatic tire. It is such like a real animal, but also

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當代藝術界最重要的藝術家之一，來自德國的傑哈•里希特（Gerhard Richter）於今年二月分別於德國漢堡市立美術館（Hamburger Kunsthalle）與貝奇魯斯藝術論壇美術館（Bucerius Kunst Forum）推出藝術家的重要個展以及從里希特攝影繪畫所衍生的新攝影觀念展，堪稱是檢視藝術家從六零年代起創作歷程的一個關鍵階段，並以當代繪畫與攝影的觀念在展覽中詮釋新方向的可能。這也是藝術家將於年底開始在倫敦泰德現代畫廊、巴黎龐畢度中心、以及柏林邦聯美術館舉行藝術家八十慶生暖身展。 貝奇魯斯藝術論壇美術館邀請市立美術館前館長，同時與里希特私交甚篤的胥尼德（Uwe M. Schneede）擔任策畫「傑哈•里希特－時代的影像」（Gerhard Richter. Bilder einer Epoche）。鏡頭迴轉到六零年代，攝影技術產生新的變革、

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Harald Falckenberg, born in 1943, is an attorney who began buying art in the 1990s. Following an increasingly international trend, the Falckenberg collection has gradually broadened and progressed from its concentration on Californian and German artists of recent years, to encompass works by the up-and-coming generation. Within a decade, the number of individual acquisitions has risen to more

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Temple of Sublime Beauty Emerson Wang In Venice, the Sala S. Tomaso, part of the chiesa S Giovanni e Paolo, has been transformed into a temple of this pantheon of superheroes. Especially in the case of film heroes such as King Kong (1933), Godzilla (1954), and Superman (1933/1938), one could argue that there is a strong link between their emergence and

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光影下的色彩--李希特的科隆大教堂彩繪玻璃 8月25日一場莊嚴隆重的彌撒於德國科隆大教堂（Kölner Dom）舉行，教堂唱詩班指揮與管風琴手共同譜寫新曲，德國最重要的當代藝術家李希特（Gerhard Richter）也給了這座已經列為世界文化遺產的科隆大教堂一份大禮－彩繪玻璃。時間要回朔到五年前，建築師夏克威娜（Barbara Schock-Werne）擔任教堂的整修工程，她詢問藝術家李希特是否有意願接下教堂走廊南側的玻璃設計，李希特毫不考慮便答應了這個邀請，而且開始抽象繪畫的設計。其實這個構想與教堂執事原來希望描繪聖經故事的初衷不同，李希特卻不願意再依循前人的創作形式，取而代之的是在120平方公尺的玻璃以不同花色組合而成的彩繪。而李希特的這個創意構思其實還要再回朔更早至1970年代，藝術家曾為他的一件作品命名《4096種顏色》（4096 Farben），畫中僅僅是單純的小色塊排列堆疊

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WHATColombian neo-figurative artist, Fernado Botero, creates “fat people” as his subject to present sculpture and painting. There are 15 huge bronze sculptures, each over 3 meters high, by Botero presenting from September to November 2007 in Berlin. The artist was born in Colombia in 1932 with 19 brothers and sisters. The human and animal figures in his sculpture and painting are always noted for

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2009年巴塞爾藝術博覽會正式邁入第四十年，1970年由巴塞爾當地畫廊組織的展出，誰也沒料到四十年之後已經成為當今最重要的藝術博覽會之ㄧ。2009年第40屆巴塞爾藝術博覽會於六月九日晚間舉辦VIP之夜，十日正式開放至十四日。超過一千一百家的申請畫廊，375家確定參展，競爭激烈年年如此，來自美國的75家居冠，其次則為德國的有56家、地主國瑞士的33家、英國28家、法國26家、義大利22家、西班牙9家、比利時8家、奧地利7家，日本有5家畫廊。來自南美洲的巴西有4家參展，中國也有4家，分別是北京Boers-Li畫廊、上海香格納畫廊、廣州維他命畫廊、北京長征空間，其他國家則有波蘭、荷蘭、加拿大、丹麥、以色列、墨西哥、挪威、韓國、阿根廷、芬蘭、印度、以色列、蘇俄、南非、瑞典、土耳其，以及來自台灣的誠品畫廊。如同往年，畫廊展區（Art Galleries）之外，藝術宣言（Art Statement）

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2009年巴塞爾藝術無限巴塞爾藝術覽會（Art Basel）今年邁入四十周年，近十年來於前任藝術總監山姆•柯勒（Sam Keller）的大幅與創新改革下，Art Basel已成為世界重要的當代藝術博覽會之一。十年前柯勒突破傳統畫廊展覽的小坪數限制，將巴塞爾世界貿易中心的第一大廳闢為大型作品的展示空間，十年來「藝術無限」（Art Unlimited）展出單元雖然是畫廊展出藝術家大型裝置與錄像作品的權宜措施，在展出申請作品的精挑細選以及以舉辦大型展覽的策展方式籌劃下，已經成為巴塞爾藝術覽會最受歡迎的單元。尤其緊接在威尼斯雙年展之後舉辦，難免將雙年展國際主題展與「藝術無限」單元拿來比較，由此也可見其份量與重要性，雖然有些專業藝評還是認為這個單元的商業機制仍然存在，雙年展的純度與學術性還是略高，但是不可諱言的，「藝術無限」已經是巴塞爾藝術博覽會的一大招牌，除了觀眾之外也吸引藝術家在此展出新作。自

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當代藝術收藏家的新舞台－威尼斯　威尼斯雙年展，當代藝術的重要展覽；位於威尼斯大運河旁的佩姬•古根漢美術館規模雖小卻極為重要。如今威尼斯不僅有全世界最重要的當代藝術雙年展，連世界重要的當代藝術收藏家都開始注意到這個富有歷史卻又不斷展現新貌的水都與當代藝術的相得益彰，幾年前起每屆威尼斯雙年展其間，比利時的設計教父兼藝術收藏家阿塞爾•維伍德（Axel Vervoordt）邀請策展人將其收藏精挑細選於佛圖尼宮美術館（Palazzo Futuny）展出；法國精品集團PPR總裁皮諾（François Pinault）手筆更大直接買下葛拉希宮（Palazzo Grassi）邀請日本建築師安藤•忠雄（Tadao Ando）進行整建計畫，2006年正式展出其收藏。兩位大收藏家的藏量豐富，品質精緻，即使持續多年安排策劃展覽都足以令人眼睛大亮，繼2007年狹路相逢後，今年再度互相較量，不過新聞熱度與受注目程度

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2009年第十屆哈瓦那雙年展從三月進行到四月，是中美洲地區最重要的當代藝術雙年展。自1984年設立第一屆至今已經過了四分之一世紀──二十五年，如果以人類的年齡來計算以經是成長獨立的大人了。因此屆此第十屆雙年展與第二十五年的紀念，對於哈瓦納雙年展而言別具意義，除了地處的位置之外還有古巴特殊的政治環境竟然能夠在那麼早的時候便設立雙年展更屬不易。哈瓦那雙年展一直以來都以非白人觀點的當代藝術自居，由其本屆所強調的二十五周年紀念也以邀請來自拉丁美洲、加勒比海地區、亞洲、非洲、以及中中地區的當代藝術家參與為主角。因此哈瓦那雙年展所設定的主題與西方世界白人觀點所提出的命題大為不同，從傳統與當代的現實、殖民歷史過程的挑戰、藝術與社會的關係、個人與集體記憶、科技發展對人類溝通的影響、都市文化的興起等議題才是這個地區藝術家與一般民眾所關切的，由藝術作品中也更能敏銳發覺事物的底層聲音與真相。

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位於阿根廷南部的烏蘇艾亞（Ushuaia）有六萬居民生活於此，被稱為世界最南端的城市，探險家與熱衷特殊旅遊主題的觀光客將烏蘇艾亞視為進入南極圈的隘口，也是人類居住環境與地球自然的交界點。當今世界雙年展何其多，竟然有一個雙年展是在世界的盡頭舉辦。2007年第一屆世界的盡頭雙年展（1st Biennial of the End of the World原文Bienal del Fin del Mundo）配合國際極圈年（International Polar Year）於烏蘇艾亞與鄰近地區舉辦，原本只是一個配合的藝術活動，卻因地理環境的特殊以及所呈現的展覽風格與形式太特別阿根廷文化單位透過德國歌德學院的贊助，於2009年四月舉辦第二屆世界的盡頭雙年展，展出場域擴大為阿根廷與巴西兩國不同地區，但是主要的展場仍然在烏蘇艾亞。總策展人胡格（Alfons Hug）來自德國卻長居巴西，

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韓國當代藝術現況韓國是一個在各方面轉變極為快速的國家，不論是政治、經濟、文化、社會或者是藝術都有著令人驚訝的躍變活力，自早前中國的藩屬、日本的殖民痛苦經驗、一直到韓國國內的政治局勢，1948年大韓民國成立，1950-1953年爆發戰爭、光州事件、學生標舉民主的抗爭，血淚的揮灑幾乎成了韓國人日記裡無法抹滅的印記。1993年金泳三代表民自黨在競選中提出「穩定中推進改革」、「清廉的政治」、「強有力的政府」等口號，獲得民眾空前的支持，韓國開始邁向一個新的紀元。「民眾藝術」則是藝術家對於舊體制與當時約定俗成觀念的反動，藝術家認為單調的形式主義根本無法呈現韓國獨特的社會與歷史背景及現況，他們開始從平民百姓的生活找尋靈感與素材，描繪鄉村生活與貧窮的現實人生，道出工人階級在資本主義宰制下的心聲，更毫無顧忌的使用以女性為主的性愛照片或文字強調主體意識，一連串有組織的藝術家革命在韓國出現，雖然於1988

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策展人哈洛．史澤曼(Harald Szeemann)辭世Harald Szeemann, the former artistic director of the Venice Biennale of Visual Arts, has died in canton Ticino. He was 71.出生於瑞士伯恩（Bern）的國際超級策展人於二月十九日因肺病去世，享年71歲。今天在德國的電視台3SAT「文化時間」（Kurturzeit）節目中不經意看到這則消息，原以為史澤曼又有新的策展，沒想到是他的一則訃聞。想起最近一次見到他是去年九月，他所策劃的第一屆西班牙塞維亞雙年展的開幕記者會上。人事變化倏忽，不免令人唏噓。1933年出生的史則曼，1957年於瑞士St Gallen策劃生平的第一個展覽，1961~1969擔任伯恩當代美術館館長，1972年受邀策劃德國卡塞爾文件大展（每五年一次），

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當私人收藏成為公共議題柏林新國家畫廊（Neue Nationalgalerie）剛因為美國紐約現代畫廊（MoMA）的收藏展創下參觀人潮的新高，普魯士文化資產基金會（Stiftung Prueßischer Kulturbesitz）(註1)似乎嚐到了營造話題的甜頭，儘管藝術界對「MoMA在柏林」（Das MomA in Berlin）一展貶多於褒（花大錢宣傳美式帝國藝術收藏、缺乏主導策展概念、照單全收美方的展覽包裝），但是對財政困難的基金會而言卻是一支強心劑。食髓知味，當社會輿論一片韃伐，基金會看準話題熱頭，與倍受爭議的當代藝術收藏大家佛烈克（Friedrich Christian Flick）簽定合約，預計在七年內於所屬的漢堡車站當代藝術展覽館（Hamburger Bahnhof—Museum für gegenwart, Berlin）策畫展出佛烈克約2500件藝術收藏。

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// DOCUMENT // CALL FOR ENTRIES Under the motto 'document', EMAF 2005 will shed light upon artistic work as the document of a creative process. The more digitised the images become, the more discussions concerning their authenticity and perception are once again provoked. The festival tracks down new approaches and innovative ideas, thus documenting its status as one of the most important

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2004年第九屆威尼斯建築雙年展正式於九月十二日開幕，這個為期約兩個月的國際建築大展再一次受到國際的矚目，除了威尼斯影展與威尼斯視覺藝術雙年展之外，建築雙年展可說是整個雙年展主辦單位的第三大國際盛會。 繼2002年由英國倫敦策展人迪揚．沙迪克（Deyan Sudjic）所策劃的第八屆雙年展的主題「下一波」（NEXT）之後，今年由瑞士籍的藝術與建築理論學者庫特．佛斯特（Kurt W. Forster）擔當重任。佛斯特以「蛻變」（METAMORPH）為本屆展覽的核心主題，藉以檢視並發掘當代建築設計在基本原理創作與理念的轉變，這些轉變可以從設計的理論與實務中互見因果與其當代的現象，同時也在當今的新建築技術裡被廣泛的運用。 如果我們將這六年來，也就是連續三屆的建築雙年展主題作一個歸納與連結可以發現建築設計藝術在當今社會的發展趨勢與此領域專家的一個思考面向： 2000年第七屆雙年展，

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普雷西（Fabrizio Plessi）的作品將城市藝術化、交響詩具體化！ 位於昔日柏林圍牆的交界，荒廢了半個世紀之久的馬丁葛羅皮烏斯展覽廳（Martin-Gropius-Bau）自從整修重新開放為藝術展廳之後，接連的藝術展每每叫人震撼，如去年的《柏林／莫斯科》、《August Sander人像攝影誌》等大展後，今年初就在同一時間裡三層樓各展出《女性藝術家敏特獎》、《第三屆柏林雙年展》、以及氣勢澎湃普雷西個展《夢之界》（Traumwelt）。一般觀眾到美術館大概是全程參觀，可是柏林人的藝術欣賞方式不同，大部分的人來此只選擇其中一個展覽欣賞否則真會無法消化或吸收，因此花上兩個分別的半天或全天時間到訪馬丁葛羅皮烏斯展覽廳是必須有的心理準備。 細數普雷西所創作的一系列城市交響詩作品從歐洲到非洲，羅馬、柏林、塞拉耶佛、開羅、拉格斯；從北美到南美，紐約、巴西的瑪瑙斯；從中東、南亞到大洋洲，

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《超越真實》當一波波的人潮走進展覽廳，對照韓森的雕塑，開始令人懷疑，到底什麼才是真實。1925年出生於美國明尼蘇達州的杜安．韓森（Duane Hanson）雖然早在1996年過世，但是其作品卻頻頻在世界各地的展覽中亮相，其中最大原因應該是他作品中不斷反應出的今日世界現象，傳媒廣告充斥、消費商品氾濫，人的「物化」現象非但沒有減緩反而更為嚴重。觀看他作品的同時，會有一種揮不去的悲哀。有趣的是，韓森的《超越真實》展覽（More than Reality）展出的地點既不在畫廊也不在美術館，而是位於德國柏林菩提樹下大道與菲德列大街的繁華商業中心交叉口的Volkswagen汽車展示中心裡。令人驚訝的是參觀人數之多超越看車的人潮，同時觀眾逗留的時間絕不是短短的十幾分鐘而已，就連Volkswagen公司都感到驚訝。到底韓森的作品透露了什麼特殊的魅力？「

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《千禧年的五個天使》「(在水底)我看見了美麗的綻綠以及水底的綠色植物，綠色的植物隨波搖曳伴隨著魚群形成一幅風景畫。當時我一點都不害怕，反而極為驚訝水底世界是我從未見過的風華。然後我的叔叔將我從水底拉了起來，這對我來說在當時反而是一個震驚，因為它破壞了我眼前的美麗境界。雖然我在水底的時間不過是兩三秒鐘的剎那，但卻有如永無止境的片刻。」六歲溺水的經驗形成比爾．維歐拉日後創作的主題。這個主題不斷圍繞著他的創作中心，「水」是作品中最基本的元素，而「時間」則是他中心的概念。如果說白南準將錄像藝術成功地移植到藝術的領域，維歐拉則是其發揚光大並轉化為更詩性與神秘的其中一人。他的創作概念可以從希臘的哲學開始卻又在佛教與傳統日本藝術裡找到內蘊的精神。雖然《千禧年的五個天使》（Five Angels for the Millennium）早在2001年即完成並於倫敦Anthony d’Offay 畫廊展出，

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我破壞任何接觸到的東西，因為我是暴力的。我毀壞我的友情、我的至愛還有我的小孩。人們不用費心去猜測，因為這些殘酷都在作品裡。因為恐懼所以我不斷破壞又不斷花時間去修補，我是個虐待狂因為我內心充滿不安。人與人之間永遠不會有和平調解的時候。　　　　　　　　　　　　　－路易絲．布爾喬亞1993年英國BBC國家電視廣播公司拍攝路易絲．布爾喬亞（Louise Bourgeois）的藝術家生活紀錄，剛一開鏡，布爾喬亞就把一群工作人員嚇得魂飛魄散。她拿起一隻花瓶往地上一砸，一臉怒氣的說不想拍此片，然後舉起一個寫好的牌子「不准入內」（No Trespassing），在鏡頭前抗議，一群人不得其門而入。導演芬奇（Nigel Finch）與藝術家一再溝通，並約法三章只拍攝經過布爾喬亞允許的畫面，片子終於順利拍成，而這部影片也成為描繪這位傳奇藝術家的經典力作。看著影片中布爾喬亞舉起「不准入內」的牌子抗議，

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1975 威尼斯雙年展視覺與建築部門，第一次策劃建築展於雙年展中，策劃人為葛瑞鳩堤（Vittorio Gregotti）。 1976 葛瑞鳩堤再度披掛上陣，以「Werkbund 1907」、「設計的初始」（The Origins of Design）、「意大利法西斯時期的關聯主義與建築」（Rationalism and Architecture in Italy during the fascist period）、「歐洲－美洲，舊城市中心與郊區」（Europe-America, old city centre, suburbia）與「義大利設計師Ettore Sottsass」（Ettore Sottsass, an Italian designer）等主題展出。 1978 主題為「烏托邦與反自然的危機」（Utopia and the Crisis of

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9. International Architecture Exhibition──METAMORPH 第九屆威尼斯建築雙年展將於九月十二日正式開幕，代表台灣由台南藝術學院建築藝術研究所設計的「建築繁殖場」於六月在校園公開展示後已編碼拆解，將運往威尼斯參展。 繼上一屆「下一波」之後，本屆總策展人佛斯特（Kurt W. Forster）提出了「蛻變」（METAMORPH）的展出主題。佛斯特在策展理念中強調當今價值與規範體系急劇變動的時代裡，尤其是「建築」一門專業，開啟了新的世代觀，無處不見卻又很難在快速的轉換時空裡交換人們的經驗，因此雙年展將以全面審視的態度來觀察建築概念的轉變與實踐。 展覽主題「蛻變」（METAMORPH）係由METAMORPHOSIS衍生而來，如果從韋伯大字典（Webster's Revised Unabridged Dictionary）的說明，

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「我總有一個希望，如果我們嚴肅地看待每一件事情而且有條理的處理它們，或許我們能稍稍改變這個世界。」2001年威尼斯雙年展為德國奪下最佳國家館金獅獎的藝術家葛利格史奈德（Gregor Schneider）在一次訪談中如此談到他的世界觀。「死亡之屋烏爾」是史奈德在他的家鄉Mönchengladbach-Rheydt經年累月，不斷與一個假想的鄰居Hannelore Reuen創造出的屋中之屋。整個創作計畫從1985年一直進行到2000年。令人驚訝的是出生於1969年的史奈德於十六歲的年齡就開始建構他的美學觀，而且在十幾年的時間裡，他從中學畢業、進入慕尼黑美術學院就學，舉辦畫展，但他的這個計畫卻連貫了他整個青少年至成年的美學思想啟蒙與行成階段而毫無停滯。他的青年時期似乎就在一種處於激情與混沌的心理狀態縈繞下，在他的家裡不斷添加生活的質素，一種複雜的迷宮型態反映出藝術家的幽閉恐懼症。

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藉由1997年的影片《你可以活在快樂的時光！》（May you live in interesting times！）藝術家費歐娜．譚（Fiona Tan）終於完成了她「尋根之旅」的願望，而這部影片卻引領她進入當代國際藝術舞台的殿堂。1996年出生於印尼的譚，父親為中國人，母親為盎格魯薩克遜裔（Anglo-saxon）澳洲人。1969年全家移民澳洲，並於當地成長。家族中與父親同時離開中國大陸到外地逃難發展的還有伯父、叔叔等親戚，香港、印尼、德國、美國、挪威以及荷蘭。1988年她的一位嬸嬸提供她在阿姆斯特丹讀書時有個棲席之地。自此，藝術家的全新生命就此展開。影片中描述藝術家為了探尋自己的身世與家族關係，行腳遍及全世界各地，同時深入中國大陸村莊──家族的故鄉，但是她所知道的親戚朋友都已在海外落地生根。唯一留在印尼的一位叔父與嬸嬸在影片中雖然懷念小時的情景，也還保留孩提時代的照片，

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未見到徐冰以前，在我的想像中，他可能是一個高頭大馬、目光炯炯的藝術家，隨時都計畫著要做的事。我們本來應該在德國漢堡的「媒體之夜」中先見面的，結果他卻因為簽證問題被滯留在奧地利維也納。當晚德國媒體一陣「搶人瘋」，名為給媒體工作者的輕鬆聚會卻因一些重要的人物與藝術家參與成了額外的工作夜晚。許多媒體記者癡癡盼望徐冰的神情，讓我見識到徐冰在西方媒體界的魅力，以及一位中國藝術家在歐洲所受到的重視。錯過了這次碰面的機會，徐冰還是只留在我的想像階段。又過了一個多星期，也是他在德國柏林個展的前一天記者會上，遠遠的就看見一個個子不高、留著不太整齊髮型、戴著一付黑框眼鏡的中國人正安靜專注地擺放作品。他與我原來的想像有極大的出入，有些靦腆，而且很沉靜。王：大部分人提到徐冰，也會同時提到你的作品「天書」，兩者幾乎化為等號，許多的訪問也都談了這件作品。今天我們就換個方式，從你剛為柏林東亞美術館的全新作品談起好了。

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自1994年開始，位於布蘭登堡邦（Land Brandenburg），距離德國首都柏林約150公里路程的施普瑞河森林（Spreewald）中，每年的夏天都會舉辦一場當代藝術展覽與表演。1999年開始，邦政府開始贊助，去年及今年（2003, 2004）更由德國邦立文化基金會（Kulturstiftung des bundes）贊助，在Rohkunstbau這個具有歷史價值的城堡內外舉行。 原來只是為了多一個德國人夏天旅遊的選擇，卻在去年打響了知名度，今年藉由來自英國倫敦的藝評與策展人馬克．吉斯本（Mark Gisbourne）的國際觀與獨具氣韻的策展理念程序去年的展覽將「歐洲畫像2」（A European Portrait #2）帶出嶄新且兼具地方與國際性的大展風範。 吉斯本策略性的只邀請12為藝術家，而大部分的藝術家都從地方的歷史與城堡的故事瞭解之後創作全新的作品。

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九零年代以後，中國的前衛藝術走到了第二個關鍵的發展階段，有別於八零年代中期以政治批判為對象，控訴中國傳統文化與西方價值的衝突。此時期的藝術家將西方的藝術觀念當作是一種新的知識來吸收，同時關心的是更切身的現實生活問題。方力鈞的作品在這個階段成為代表之一。以「中國前衛藝術」一詞來談論中國的當代藝術發展，首先必須與西方藝術史中的「前衛藝術」（Avant-garde）概念分開來談：後者純粹是對藝術本身的反動，前者則離不開對政治的反撲。或許因為這個概念的理解，一般西方觀眾談到中國前衛藝術總是非要再作品中找到與「政治」有一點裙帶的關係，成為世界藝術中國熱潮時的一個怪現象。藝術評論家粟憲庭將中國前衛藝術的第二個發展階段中一個重要的里程稱為「完是寫實主義」。此時期藝術家如王廣義、張曉剛或者是方力鈞的作品標示出當代中國人對現實生活的無聊情緒與無奈的生活感覺。方力鈞的作品中不斷出現「光頭」的人物形象，

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一切，就從「楊俊」這個名字說起吧！1975年出生於中國，1979年也就是他五歲的時候開始在奧地利的維也納生活。生活他鄉多年，第一次回中國是他11歲的那年，第二次回去又是五年之後，也就是他16歲那一年。他也到過台北，因為外祖父隨國民黨軍隊輾轉到了台灣。到底楊俊是什麼人？恐怕藝術家都想理出一個頭緒來。2002年，楊俊完成了以前半段德文及後半段英文的自我解說影像作品《Soldat Holzer》（或者稱《Solider Woods》）從自己的名字「楊俊」剖析中文的意涵以及翻譯後所產生的語意誤差或是錯亂。名字只是一個人的代稱，但是中文裡往往含有長輩的期待，祝福或者是天生的氣韻或氣質，可是轉換成英文拼音之後便成了徒有音聲而少了內涵的空洞虛幻。當英文拼音再轉換回中文時，所有的混淆變得更為巨大，楊俊可能成了洋軍，其所指涉的不再是同一個人，甚至是另一個意義。柏林的展覽中除了展出作品之外，6月5

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"BYARS-James Lee, internationally renowned artist whose work concentrated on minimal hermetic forms, reduction towards essence and absence, and an acute sense of the ephemeral, died on Thursday, May 23, 1997, at the Anglo-American hospital in Cairo, Egypt. He was 65 years old." - The New York Times, May 24, 1997 《The perfect love letter is I write I love you bachwards in the air 》，1974

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談德國企業贊助文化藝術 說起德國的汽車工業，人人都會豎起大拇指稱讚，世界知名廠牌BMW、Volkswagen、DaimlerChrysler皆出自德國，同時行銷全世界。除了寬闊舒適的座椅與卓越的汽車性能之外，另一個吸引人的特點是不斷推陳出新的藝術性設計。三家汽車公司各有一群優秀的設計師參與創作，不同的造型往往令人驚豔，每部汽車有如一件件藝術品。 無獨有與，三家汽車公司不但扛起了德國「汽車王國」的美稱，同時分別在慕尼黑（München）狼堡（Wolfsburg）與司圖加特（Stuttgart）三個城市建立起汽車城或是汽車博物館互別苗頭，同時都以身為社會中堅份子自許，投身參與社會公益與文化藝術贊助活動。說實話，如果少了這些企業公司的贊助活動，德國的文化藝術將失色不少。諸如此類以商業支持文化藝術活動，讓社會充滿精緻品味氣息，同時提昇企業形象與社會角色地位的互相幫襯作用，彼此互蒙其利。

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"I want to convince life that it is stage managed, and convince theatre that it wouldn't get by without life." Christoph Schlingensief, Director 素有德國藝術界「壞男孩」之稱的詩林根錫夫（Christoph Schlingensief）竟然在去前受邀執導今年第93屆拜魯特藝術節（Bayreuther Festspiele）的開幕歌劇。一個是在劇場界玩出不同新花樣的42歲壞小子；另一邊是極為保守卻又享有盛名的華格納歌劇盛典，兩者都想要多一些新嘗試，於是去年底一拍即合。 沒想到消息一出，嚇壞了德國歌劇與古典樂界的老先生、老太太們。他們擔心拜魯特藝術節偉大而莊嚴的盛名以及華格纳的神聖樂曲將毀在他的曾孫渥夫崗．華格纳的手上以及詩林根錫夫怪異的腦袋裡。

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位於德國漢堡的國際攝影之家──堤壩之門展覽館（Internationale Haus der Photographie，Deichtorhallen Hamburg）的兩棟大型建築為1960年代開始漢堡的果菜花卉集散中心，由於地點正位於易北河（Elbe）岸，漢堡港口對外聯繫的起點，因此這個地區就被稱為堤壩之門，這也是此展覽館的名稱由來。 漢堡不僅是世界第二大國際運輸港口，更是德國平面傳播媒體中心（電子傳播媒體中心位於科隆）。《明鏡週刊》（Der Spiegel）、《時代週報》（Die Zeit）、《G&J》集團都將總部在漢堡，港口旁自成一個媒體建築群，同時構築了漢堡獨一無二的閱讀氣氛。漢堡的藝術展覽雖不若柏林的豐富多元，卻更精緻明確的突顯出典型德國人的品味與喜好。在此媒體中心不斷有攝影記者的作品展出，近幾年私人畫廊也多以攝影為經營的主要藝術媒材。漢堡，儼然成為德國的攝影藝術重鎮。

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