Art city--Basel 精緻細膩的文化城──巴塞爾

全世界規模最大也最重要的的當代藝術覽會不在紐約、也不在倫敦或巴黎，而是瑞士的小鎮巴塞爾（Basel）。這個位於德國、法國、瑞士三國交界的小鎮倒底擁有甚麼樣的魅力或是得天獨厚的條件可以發展出今日重要的規模與地位，並且吸引每年超過一百五十萬的藝術觀光客前往朝聖？巴塞爾高密度的博物館與美術館以及自十七世紀開始的藝術收藏歷史都將在本文一一揭露！

巴塞爾是一個方圓僅有22,75平方公里，不到17萬居民數的小鎮。1460年所成立的巴塞爾大學是全瑞士最古老的大學，從中世紀開始，巴塞爾以大學為中心在學術與文化上的發展頗有成就，巴塞爾大學也成立了歷史最優久的博物館。巴塞爾同時也是瑞士化工醫藥的中心，世界著名的諾華（Novartis）與羅氏（Hoffmann-La-Roche）製藥公司都是在此地成立，公司的總部至今仍在巴塞爾。

但是提到巴塞爾，鐘錶珠寶界與當代藝術界都不會忽略巴塞爾這個小鎮。巴塞爾世界鐘錶珠寶展（Baselworld Watch and Jewellery Show）及巴塞爾當代藝術博覽會（Art Basel）享譽全世界，不僅規模龐大、展出品質出眾，交易成績更是年年創新。每次為期不到一個星期的博覽會吸引來自全世界的廠商與收藏者，小鎮充滿人潮，餐廳與酒館到處客滿，歌劇院、音樂廳也常常一票難求。巴塞爾與鄰近的美術館也是來訪者的參觀重點，除了質精且量多的收藏之外，美術館建築更是精采。

巴塞爾總面積只有台北市的七分之一，但是自中世紀起即是瑞士的文化重鎮，瑞士人的工匠精神，細心琢磨精密的齒輪與鍛件，組合成價值不菲的瑞士鐘錶；同樣的精密研究精神也運用到建築設計方面，巴塞爾以極簡、便捷實用的建築美學，描繪出曼妙的山城風光，被視為當代設計領域的典範，當代建築大師荷佐格與迪莫隆（Herzog & de Meuron）也是由巴塞爾發跡，市內遍佈他們的建築傑作。

巴塞爾的藝術收藏歷史可以追溯到十六世紀，1661年起又是一個大轉折，巴塞爾地區公立美術館與巴塞爾大學斥資收藏該地私人收藏家的作品，開啟了官方美術館與私人收藏的互動與合作。幾百年的美術收藏與展覽經驗累積出文化藝術政策與條例，官方美術館與私人收藏都得到鼓勵與支持，地方也是文化藝術展覽為不可缺少的活動，猶如歐洲人固定去聽音樂會或歌劇的習慣。自1980年代起，當代藝術的蓬勃發展，新的美術館建築陸續完成開幕，加上交通往來的便捷，巴塞爾的藝術之名更是遠近馳名。

＠巴塞爾藝術博覽會 Art Basel

1970年第一屆巴塞爾藝術博覽會由三位當地的畫廊主持人組織成立（其中的一位拜耶勒Ernst Beyeler於若干年後又成立基金會，其美術館更是到巴塞爾必訪的藝術勝地），短短不過三年的時間，1973年的巴塞爾藝術博覽會規模已經超越歐洲地區歷史最悠久的柯隆藝術博覽會。2000年進入千禧年後，巴賽爾當代藝術博覽會的地位越形重要，幾乎成為全世界最大的當代藝術交易平台。

巴塞爾藝術博覽會除了畫廊展區之外，每年最精采的莫過於藝術無限（Art Ulimited）以及這兩年新規劃的藝術疾走（Art Parcous）單元，規模與品質往往被評價可以與同時間舉辦的威尼斯雙年展等量齊觀。2011年第42屆巴塞爾藝術博覽會僅接著威尼雙年展登場，雙年展與藝術博覽會雖然是兩個型態不同的當代藝術活動，近年來卻屢屢出現雙年展藝術家作品也在藝博會出現的情形。經過國際藝術大展的加持，藝術家的名氣與作品詢問度相對增高，頗有幫襯的加成效果。

巴塞爾藝術博覽會不僅是藝術界的盛會、當代藝術市場的指標、同時也是瑞士許多民眾每年一次參觀當代藝術的重要活動。當地人暱稱「ART」，指的就是巴塞爾藝術博覽會。 博覽會成為藝術迪士尼，成為真正進入家庭生活的休閒活動之ㄧ。
十多年年來「藝術無限」（Art Unlimited）展出單元雖然是畫廊展出藝術家大型裝置與錄像作品的權宜措施，在展出申請作品的精挑細選以及以舉辦大型展覽的策展方式籌劃下，已經成為巴塞爾藝術覽會最受歡迎的單元。尤其緊接在威尼斯雙年展之後舉辦，難免將雙年展國際主題展與「藝術無限」單元拿來比較，由此也可見其份量與重要性，雖然有些專業藝評還是認為這個單元的商業機制仍然存在，雙年展的純度與學術性還是略高，但是不可諱言的，「藝術無限」已經是巴塞爾藝術博覽會的一大招牌，除了觀眾之外也吸引藝術家在此展出新作。「藝術無限」（Art Unlimited）單元的展出並無特別的主題規劃，純粹就作品的屬性與型態由策展人安排展出的空間，因此若要在此找到任展覽的論述或者窺見系統式的藝術脈絡反而是不切實際的期待。也因為其單純的以提供更大與自由的空間展出由畫廊提供的藝術家作品，欣賞的樂趣去也就由此而生。

「藝術疾走」（Art Parcous）單元是巴塞爾藝術博覽會繼「藝術無限」之後，另一個成功開闢的新藝術單元。「藝術無限」標榜偌大的展出空間、「藝術疾走」則是藉由藝術家與作品帶領觀眾認識巴塞爾的歷史與風光。2010年由彥斯•霍夫曼（Jens Hoffmann）所策劃的展覽以巴塞爾教堂（Basel Münster）教堂周邊歷史區與萊茵河岸為舞台，2011年則轉往聖阿爾班凹地流域（St. Alban-Tal），全長約一公里，觀眾一邊欣賞十位藝術家作品的同時，其實也在了解巴塞爾的歷史，許多建築物都是為了此次展覽才開放。聖阿爾班凹地流 域被巴塞爾人暱稱為「小威尼斯」，小高地流洩的河川與橋梁（巴塞爾當代藝術館於其間）、靠水力運轉能源的水車（如今是紙藝博物館）、過去的商業會所（現在 進口義大利酒商的私有屋所）、過去的捕魚小屋（如今成了萊茵河岸的特殊風光）、舊巴塞爾城牆、小教堂，這裡看來在過去就是一個充滿生氣的小聚落。

＠巴塞爾美術館 Kunstmuseum Basel

全瑞士藝術品藏量最豐富、品質最精緻的美術館不在蘇黎世，也不在日內瓦，而是巴塞爾美術館。十七世紀就開始的藝術收藏條例計畫，奠定了巴塞爾未來的藝術地位。美術館有德國文藝術復興時期畫家霍爾班（Hans Holbein, 1497-1543）最多的作品收藏，17與18世紀的藝術收藏最重要的有荷蘭畫派魯本斯（Peter Paul Rubens）與林布蘭特（Rembrandt）大師作品；印象派大師莫內、高更、塞尚、梵谷；立體派巨匠布拉克、畢卡索；表現主義、結構主義、達達畫派、超現實、1950年後美國藝術一直到二十一世紀當代藝術，美術館的收藏幾乎就是藝術史的濃縮版。

美術館幾年前另闢新的館舍巴塞爾當代藝術館（Museum für Gegenwartskunst）展出當代藝術作品，但是收藏之豐富即使已經擴增展出面積與地點仍然無法充分提供每年的特別展與收藏展，因此美術館有了新的整建擴增計畫。擴建金額高達一億瑞士法郎，預計2015年完工，全新開幕。

＠展覽倉庫美術館Schaulager

雖然美術館名稱為展覽倉庫，可是建築與收藏以及每年所舉辦的展覽都是上上之選，名稱其實只是一種更貼近民眾的稱呼。

倫敦的泰德當代美術館Tate Modern、慕尼黑的Allianz Arena足球場及舊金山的de Young博物館，還有北京奧運最引人注目的鳥巢大運動場都是來自瑞士建築師荷佐格與迪莫隆（Herzog & de Meuron），這些建築都讓城市產生新的風貌。展覽倉庫美術館也是由這兩位建築師事務所操刀，外觀好像是石器時代的樸素建築，又好像是紙盒切開堆積的立體面，其實內部設計巧妙，四個樓層的中間展廳挑空直達天頂，室內有恆溫控制設計，作品都直接收藏在此，並且提供學校教育與專業研究，但是每年的特別展覽只在五月到九月開放。

霍夫曼基金會 (Emanuel Hoffmann-Stiftung) 經營的展覽倉庫美術館，看似樸素的美術館建築，外牆嵌凝的鵝卵石側面特別經過刮蝕，呈現一種大地的色澤與粗糙的工業質地，值得一提的這些石頭都是在建築工事進行時由地下挖出（此地曾經是工業區）。美術館正面凹陷的入口牆面左右兩側高懸大型 LED 液晶螢幕播放館方收藏的鹿向作品或者展覽介紹，猶如美術館向外打開的兩扇窗戶。

盡到美術館就好像進入大型超市倉儲，中央天井在各樓層所形成的連環弧圈，每層樓板就像一層層的書架或是大型置物櫃，每層 6 公尺挑高、可拆卸的活動隔間、直線排列的可調式燈光，都提供美術館有更彈性的空間運用，展場甚至可以幾近無任何廊柱，各種大型現代藝術裝置都可以無阻礙的呈現。

＠拜爾勒藝術基金會美術館 Fondation Beyeler

Michael Elmgreen & Ingar Dragset 麥可．艾姆葛林與因戈爾．德瑞葛斯特

來自丹麥的麥可．艾姆葛林（Michael Elmgreen）出生於1961年；來自挪威的因戈爾．德瑞葛斯特（Ingar Dragset）出生於1968年，自1995年兩人開始合作，1997年起於柏林共組工作室創作，成為當前最知名的藝術雙人組合，以充滿詼諧幽默的方式，挪用現成藝術予以轉化改變探討當今世俗文化與流行風潮。

艾姆葛林與德瑞葛斯特的創作範圍極廣，從行為藝術、攝影、雕塑、裝置、到觀念與環境藝術，很難界定其創作的類型，但是最近她們的作品經常現成藝術或是在流行設計中尋找新的元素與靈感，甚至直接挪用。2009年威尼斯雙年展原本丹麥與北歐館邀請兩人為參展藝術家，他們卻將身分轉變為策展人邀請一群藝術家共同參予，讓藝術家與策展人的角色混淆甚至產生曖昧的關係，這個遊戲式的玩弄手法正式這個雙人組合創作的特色之ㄧ。

一系列名為「失能的結構」（Powerless Structures）創作系列，艾姆葛林與德瑞葛斯特刻意挑戰人們習以為常對空間環境的知覺與感受，他們以顛覆荒謬解構被視為理所當然的社會體系（抽象的）與建築空間（實體的），作品經常製造出一個環境空間，然後置入美術館或畫廊中，造成兩個不同結構形式空間的衝突與矛盾，例如畫廊裡出現一棟被熱汽球吊起生飛的房子或是一顆大的白蛋上面寫著美術館，然後被放在展覽廳內，他們也曾替Prada設計一個流行櫥窗，但是整個展示空間卻被搬到了美國德州的沙漠中。

2007年敏斯特特雕塑大展艾姆葛林與德瑞葛斯特的作品「戲劇天后」（Drama Queens）將藝術史上有名的雕塑作品（布朗庫西、捷克梅第、亨利摩爾、傑夫昆斯等藝術家的作品）都搬到了舞台上，讓這些雕塑自己說話演出一段三十分鐘的戲劇。2009年於西班牙萊昂當代美術館（MUSAC - Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León）的大型個展，也在美術館顛覆空間與社會被人們不自覺所形塑的限制，挑戰觀眾對環境的習慣。

2008年最新的公共藝術創作是獲得德國政府在柏林前皇家狩獵公園（Tiergarten）的同志受難紀念碑委託計劃案，他們以高約四公尺的立方型建築裡面播放不斷接吻的男人影片紀念納粹期間遭受迫害的同性戀者，半年後影片變為女女接吻畫面。

Yehudit Sasportas 尤迪特．薩絲波塔絲

1969年出生於以色列的尤迪特．薩絲波塔絲（Yehudit Sasportas）畢業於耶路薩冷的藝術與設計學院，2004年獲得貝塔寧藝術村住村計劃邀請（Internationales Atelierprogramm des Künstlerhauses Bethanien, Berlin）於柏林創作一年，之後她決定繼續留在柏林，位於萊比錫與柏林專門經營新萊比錫畫派的畫廊Galerie EIGEN + ART以及以色列最重要的畫廊之ㄧSommer Contemporary Art共同經紀。

從自然環境的微小細節到樹林風景的氣氛營造，薩絲波塔絲將風景畫轉譯為每個人內心的私密花園，脫胎自中東的精細風格畫，婉如書法的筆觸描繪再到透過電腦程式設計的圖像，脫離寫實的風景卻又彷彿一個全新的世界。近期薩絲波塔絲經常以黑與白還呈現她所描繪的風景，因此也增加許多神秘的色彩，比起來到柏林以前穿插彩色的裝置來得更有引發觀者進入作品情境的魅力。

薩絲波塔絲參與的展覽橫跨歐美兩洲，作品也經常出現在國際藝術博覽會場，可以說是在商業與評論都獲得不錯成績的伊色列當代藝術家之ㄧ。2007年薩絲波塔絲獲選為威尼斯雙年展以色列國家館的藝術家，「臨界點的捍衛者」（Guardians of the Threshold）展覽中，藝術家以抽象風景暗喻多重的認同衝突，東方與西方、自然與文明、理性與感性，但是她的表現少了控訴多了淡淡的哀愁。

2009年起薩絲波塔絲將其作品開始以錄像的方式呈現，其所散發的靜謐孤寂更勝以往。以色列、美國、德國等地的私人收藏家與企業收藏頗多，德意志銀行的藝術基金會也收藏薩絲波塔絲2006年的作品。

Robin Rhode 羅賓．羅德

1976年出生於南非開普敦的羅賓．羅德（Robin Rhode）於約翰尼斯堡電影電視與戲劇學院研究所（School of Film, Television and Dramatic Art in Johannesburg）畢業，屬於南非後種族隔離制度（post apartheid）的年輕世代。

1997年起羅賓．羅德以粉筆在牆壁或地面以塗鴉加上表演的方式呈現於錄像作品中，藝術家曾經表示粉筆對一個曾經在學校課堂反叛的學生來說有著強烈的記憶與意義：從教室偷來粉筆猶如對教師權威的挑戰，羅德從自己在南非的學校經驗將學生們經常塗鴉的圖像以及街頭文化擷取在自己的創作中。

2002羅德搬到柏林，充滿自由與開放的氣氛讓他決定長期在柏林創作，希望與遠景是羅德創作的中心主題，從最單純的心裡想望出發，透過塗鴉幻想一種對理想的遨遊，而作品呈現的趣味性少了嚴肅的議論。2004羅德於紐約的Perry Rubenstein畫廊首度推出個展；2005年威尼斯雙年展國際展中受邀展出，接著受邀於美國、德國、法國、西班牙、日本等第舉辦個展。2007年於慕尼黑藝術之家（Haus der Kunst）的個展「輕鬆贏取」（Walk Off）是一個大型的新作發表個展，也展現了這位年輕藝術家從塗鴉文化轉變到表演、錄像、雕塑等風格的重要展覽。從粉筆到家庭塗料，羅德將這些地下文化的事物玩到極致，創造出輕鬆的街頭風格，並且以連續性的攝影圖片定格每一個動作與畫面的狀態，尤其他還是經常回到約翰尼斯堡的旅程讓他的作品呈現了迥異於其他藝術家的情調。

2008年羅德一口氣於倫敦的兩個重要公立與私人畫廊海華藝廊（Hayward Gallery）與白立方畫廊（White Cube Gallery）舉辦兩場個人展覽；2009年他也跨足舞臺設計，與挪威鋼琴家安德斯奈思（Leif Ove Andsnes）以蘇俄作曲家穆索斯基（Modest Mussorgsky）的「展覽會之畫」（Pictures at an Exhibition）為合作的曲目，2009年11月於美國紐約林肯表演藝術中心（Lincoln Center for Performance Art, New York City）首演。

Olafur Eliasson 奧拉佛．艾里亞森

來自丹麥的奧拉佛．艾里亞森出生於1967年，1995年他搬遷到柏林並成立工作室。從自然的環境元素結合建築與科技的人為創意，日光、流水、彩虹、迷霧等都在艾里亞森的作品中佔有相當程度重要的角色，從現代科技的精準計算製造出如夢亦真的情境，觀眾也從傳統被動觀看的地位被藝術家邀請在作品中遊走與感受，高度啟發了人的知覺，人造的情境中卻讓人猶如置身自然祕境。

2003年威尼斯雙年展丹麥國家館由艾里亞森代表參展，他在整個國家館展出所呈現的奇幻瑰麗景象受到眾多矚目。同年十月於倫敦泰德現代美術館（Tate Modern, London）的大型個展「天候計畫」（The Weather Project）正式開啟了國際性的知名度，全世界的展覽邀約至今未曾中斷。艾里亞森這幾年的創作系列性的以光、水、氣候等自然現象以科技的人造方式植入人們所日常生活的生息之間隨時存在卻容易被忽略的環境狀況，他將這些現象突然之間放到美術館裡，人們才驚覺到對於身處環境的漠視與忽略。

2005年三個大型個展同時於秋季登場，荷蘭鹿特丹布尼根美術館（Museum Boijmans Van Beuningen，Rotterdam）的：「信念位移」（Notion Motion）；瑞典隆德美術館（Lund Konsthall）與瑞典馬爾莫美術館（Malmö Konsthall）的「光之計劃」（The Light Setup）。隆德美術館以研究展的型態來檢視艾里亞森的創作歷程與創作背後的技術過程。展出於馬爾莫美術館的新計劃仍舊是艾里亞森對光線與空間的挑戰，尤其是自然光源與人造光源如何交錯在空間裡出現幻化瑰麗的迷濛效果。鹿特丹布尼根美術館（Museum Boijmans Van Beuningen，Rotterdam）所展出的則是藝術家結合光與水的最新作品，刻意設計的門面讓觀眾必須踏上木板後穿越到另一個大廳，穿過窄門時也同時觸動腳底下的略微浮起的木板，木板受震動帶起水波，粼粼波光經由照射再反射，透過牆面下的空隙回映在另一個大牆面；走在這個大廳裡便宛如行走在水上，光影是浮動的，地面是靜止的，可是知覺卻是混亂的。

2007年9月舊金山現代美術館（San Francisco Museum of Modern Art）策畫的「慢慢來」（Take your time）是艾里亞森的第一個重要完整作品展，2008年展覽巡迴到紐約現代美術館，繼之達拉斯美術館、芝加哥當代美術館，2009年至2010年則於雪黎當代美術館（Museum of Contemporary Art, Sydney）展出。

Nathalie Djurberg 娜塔莉．杜爾柏格

1978年出生於瑞典的娜塔莉．杜爾柏格（Nathalie Djurberg）多年來早已將柏林當作是她的第二個故鄉，以黏土所製作的動畫，內容情節充滿光怪陸離，充滿超現實的奇幻心理劇，影片皆由其伴侶－另一位來自瑞典也生活於柏林的作曲家漢斯．柏格（Hans Berg）所創作。

2002年於瑞典Malmö藝術學院畢業，2003年起杜爾柏格才開始有作品展出，短短幾年她的作品由柏林到米蘭，再到美國的紐約，今年又在威尼斯雙年展獲得國際展中的最佳新進藝術家銀獅獎，目前最受矚目的則是於韓國首爾Prada Trasformer展出最新的作品「轉變成我」（Turn into me）。

雖然以討喜的黏土動畫為媒介，杜爾柏格作品中的世界與故事情節卻往往是深層探觸人類內心最黑暗的邪惡因子，家庭、社會、種族、性別、動物與環境都是藝術家所經常探索的主題。暴力、凌虐、死亡、屍體、噩夢、哭泣、血流、眼淚種種常人無法負荷過重的情緒，在她的影片中始終逼著觀眾面對生命的極端。最近一年，從原本的動畫錄像，加強為整個雕塑裝置，讓觀眾更深入其境感受驚駭，音樂其實在其中也扮演著重要的角色。雖然故事情節充滿荒謬，結局也恐怖駭人，但是藝術家以漫畫的形象塑造影片中的主角，加上瑰麗的背景與絢麗的色彩，多少沖淡讓人望而生畏的距離感。而其間所產生的不協調與衝突反而加強了作品中突顯黑暗底層的力道。

2006年杜爾柏格的作品於柏林雙年展中在舊猶太女子學校裡展出，影片與展覽場地的歷史產生了多重想像的聯結，是雙年展中極為成功的作品之ㄧ，之後它的作品也受邀在紐約P.S.1 Contemporary Art Center與倫敦泰德現代美術館的Performa中展出。2008年獲得Prada藝術基金會藝術家贊助計畫的支持，並於義大利米蘭Prada基金會（Fondazione Prada in Milan）舉辦個展。

2008年藝術雜誌Art Review列出三十位最值得期待的當代藝術明日之星，娜塔莉．杜爾柏格業名列其中。

Jonathan Meese 強納森．梅瑟

強納森．梅瑟（Jonathan Meese）1971年出生於日本東京，但是卻是不折不扣的德國人，他回到漢堡藝術學院（Hochschule für bildende Künste in Hamburg）就讀，創作力充沛活動力又強，從表演行為藝術到塗鴨裝置與觀念，未完成學業便決定放棄學院的制式教育，但是他的創作卻獲得來自漢堡的歐洲當代藝術重要收藏家法肯柏格（Harald Falckenberg）的強力支持與鼓勵，他的收藏庫里竟挪出一個空間給梅瑟進行持續的裝置創作。柏林畫廊Contemporary Fine Arts決定簽約經紀並強力主打，除此之外紐約的Leo Koenig畫廊與倫敦的Modern Art畫廊都視其為重要的當代藝術家，韓國首爾的阿拉里奧畫廊也曾為他舉辦個展。

© Jonathan Meese "SAALKONDITOREI "STOFFWECHSEL de LOLLYLOLLYLOLLY", 2008 Oil and mixed media on canvas, 106.3 x 141.97 x 1.69 inches 270 x 360.6 x 4.3 cm
梅瑟經常以自己為畫中或是表演的主角，狂野的塗鴉與大量黑色顏料的運用充滿狂放不驥的野性與傲慢，並且帶有反叛的猖狂。她將油畫顏料當作工具而非材料，並且顯少將顏料調和混雜，全然以原始的姿態從顏料館擠出在表演行為中使用，伺候留下的場景成為作品的紀錄。

經常也有評論家將梅瑟與巴斯奇亞（Jean Michel Basquiat ）的塗鴉做比較，一種原始無拘束的奔放，但是梅瑟更懂得如何討好觀眾，他以自畫像不斷現身各式各樣的角色，從角色扮演進行他的嘲諷與玩弄，但是觀眾又不會因此感覺受到威脅，因此他的表現又融合當今社會主流與反主流彼此抗衡的現象，觀眾在他的表演與塗鴉中找到另一種形式的發洩管道。

2000年梅瑟於柏林藝術工場當代藝術中心（Kunst-Werke Berlin - KW Institute for Contemporary Art, Berlin）的展覽讓藝術圈發現了當代藝術的新行動派；2006年漢堡堤壩之門美術館（Deichtorhallen, Hamburg）的大型個展「強尼媽咪」（Mama Johnny）獲得媒體與評論界的討論；2007年於阿姆斯特丹的De Appel當代藝術中心個展，一口氣將他的行為表演、塗鴉、裝置、雕塑所有的創作形式與風格全力展現；維也納重要收藏家艾瑟（Karlheinz und Agnes Essl）的私人美術館（Essl Museum, Klosterneuburg/Wien）特別開闢一個展區讓藝術家毫無顧忌的進行行動藝術，茵斯布魯克美術館（Kunstraum Innsbruck, Innsbruck）也於同年舉辦梅瑟的個展。2009年最新的個展則於德國阿爾普美術館（Arp Museum Bahnhof Rolandseck）舉行。