Michel Comte 攝影師柯姆特

360°名人現身，無所遁形－科姆特攝影回顧展

法國第一夫人卡拉布妮（Carla Bruni）十五年前的艷照在蘇富比拍賣會場上出現、巴西籍德裔超級名模姬賽兒（Gisele Bundchen）大解放、德國賽車明星舒馬赫（Michael Schumacher）竟然沉穩低調又溫和。這些名人在攝影師柯姆特（Michel Comte）的快門捕捉下都呈現了不為世人認知的一面，同時也滿足了世人的好奇心。

1954年出生於瑞士蘇黎世的柯姆特最早學的是藝術品修護，然後自學攝影闖蕩江湖。1979年幸運之神降臨，德國時尚設計大師拉格菲爾德（Karl Lagerfeld）點名由他為品牌Chloé拍攝廣告宣傳照，他也搬到巴黎開始了專業的時尚攝影。

1981年柯姆特搬到紐約，隨後又遷往洛杉磯為時尚雜誌Vogue擔任攝影。他如此形容自己毫無止盡的工作：我經常生活在某種邊緣。從一個沒沒無聞的小子到世界名人爭相點名的御用攝影師以及時尚雜誌絕對不肯放過的攝影藝術家，柯姆特的快門捕捉了藝術、音樂與娛樂圈的名流，舉凡藝術家兼導演虛納貝爾（Julian Schnabel）、演員傑洛米艾倫（Jeremy Irons）、黛咪摩爾（Demi Moore）、泰森（Mike Tyson）、卡拉布妮（Carla Bruni）、舒馬赫（Michael Schumacher）、納歐蜜坎貝爾（Naomi Campbell）都在他的攝影機前流露出少有卻真實的表情。

除了人像攝影，柯姆特也喜歡紀實式的攝影，他為紅十字會掌鏡，深入阿富汗、伊拉克、波士尼亞、或是蘇丹等爭戰地區。目前柯姆特正在拍攝一部關於紅色高棉（Khmer Rouge）的殘暴故事電影。一個雙眼看著世界名人的攝影師，卻又走入人間望向死亡，這或許是他作品透露人物靈魂的訣竅。

Disillusion, the initial stage of growing up

Dream and desire can be the most valuable and unforgettable secret and delight when a boy turns into a man. But the artist, Shin Ki-Woun, is trying to destroy the images, figures, belongings and belief.

The studio of the artist is like a destruction factory full of different size self-designed machines, which can grind almost anything from tangible into formless powder. As the novelist JD Salinger in his book The Catcher in the Rye : “What I have to do, I have to catch everybody if they start to go over the cliff— I mean if they're running and they don't look where they're going I have to come out from somewhere and catch them. That's all I'd do all day. I'd just be the catcher in the rye and all. I know it's crazy, but that's the only thing I'd really like to be. I know it's crazy.” The artsit knows it's crazy to warn boys and men not to make their daydreams. But he is still like a critic showing us how we live in a world, where is congested with fantasy and unreality. The viewers are compelled by the artist to confront the truth. Is it the cost of obtaining the life experience? Or is it the loss of “Age of Innocence”?

Superman, spiderman are the idols of boys or the most of men’s childhood. Those figures remind the viewers those joyful and precious time of past, when boys can escape from the reality to fancy. The icon of hero and freedom is ruined by the artist in sudden even the music is playing with “What a wonderful world” and “In the mood for love”. There is no more enjoyment of ease and comfort. The artist pulls the actuality in front of the viewers brutally.

Those works testify that the power that is responsible for the formation and destruction of contracts is held within language. Shin is not like Vito Acconci and Marina Abramovic, who utilized their own body's public and personal identities as a primary material to create a mental space for social awareness using both sadist and masochistic concepts within their art forms. He chooses different icons and idols representing himself or most of men’s childhood. The artist stands behind the monitor questioning the viewers where the value of one’s life is. “Where is the memory?” This is the big question from artist.

The clock was ground into dust as well. “Time” was not running until it was destroyed. Can one stop the time for running? On one hand, we are reminded to grow up instead of remaining in the past; On the contrary, the artist is trying to stop the running time and to keep the age of innocence. The word “Time” is defined as “a nonspatial linear continuum in which events occur in an apparently irreversible succession.” Encarta, Microsoft's Digital Multimedia Encyclopedia, gives the definition of time as "System of distinguishing events: a dimension that enables two identical events occurring at the same point in space to be distinguished, measured by the interval between the events." What is in the artist’s mind about “Time”?

It becomes allegoric when the films are showing one by one.

《20century boy》shows three small monitors, in which iPod, game player and cellular phone are the same ground by the artist. Meanwhile T Rex’s “20. Century boy” is playing…

Friends say it's fine, friends say it's good
Ev'rybody says it's just like rock'n'roll

Sin Ki-Woun creates a confusing and puzzling atmosphere suggesting an era of mixing up value. Sadism can be also seen in the exhibition when CCTV films itself is ground from the reflection of a mirror. Audience once goes into the venue, catching an eye on the screen before the machine. People may wonder “Why am I in the film?” Then he/she realizes that it is shooting from a camera, which is under harassment. The audience turns into one of the witness, but also on of the victims.

As a young artist, Shin carries a lot of burden and duties to be an old wisdom. He doesn’t allow himself to be released too much. He brings the viewers facing suffering situation. But as a wise audience, you can also question the artist: “Where is the suffering coming from?”

Fashion, Design and Art 設計時尚與生活藝術

近幾年流行時尚設計大行其道，媒體與名人推波助瀾成了最佳的宣傳，但是仔細推敲時代的推移其實也是有機可循。過去物質缺乏、經濟蕭條的時代，人們重視的是實用價值；如今世代轉移，除了實用之外，我們也開始追求生活的品味，這也代表了新時代生活的特色。以往的美術館或博物館都以繪畫、雕塑或者其他視覺藝術創作為主，其實我們也發現還有許多不同的博物館產生，家飾設計、流行時尚、香水、鑽石博物館展現了新的創意與生活。

傢飾設計博物館

位於德國、法國與瑞士三國交界的德國小鎮威爾（Weil am Rhein）臨近萊茵河因此得名，居民不到三萬人卻有個全世界聞名的維特拉設計博物館（Vitra Design Museum）。先不談收藏與展覽，光是整個園區的幾棟建築都由大名鼎鼎的建築師群設計就絕對值得前往參觀：設計製造工廠廠房的建築師有西薩（Alvaro Siza）、葛林修（Nicholas Grimshaw）、蓋瑞（Frank Gehry）、妹島和世與西澤立衛的建築事務所（SANAA）；消防建築由哈蒂（Zaha Hadi）設計；會議廳是安藤忠雄（Tadao Ando）的傑作；今年6月完工開放的博物館消費中心新建築則是由北京奧運國家體育場與慕尼黑足球場建築師赫爾佐格與德梅隆（Herzog & de Meuron）所設計完成。這些建築師不僅國際知名，多位更榮獲普立茲建築獎的榮譽肯定，維特拉設計博物館從外觀門面就體現了其精神與特色。

1934年德國人費爾包（Willi Fehlbaum）接手了瑞士巴塞爾一家建築設計公司的事業，1950年他便在威爾小鎮成立維特拉公司並且買地興建廠房，逐步開拓設計事業，沒想到一場大火在1981年燒毀了大部分廠房，公司接班人羅夫‧費爾包（Rolf Fehlbaum）邀請英國高科技流派（High-Tech）建築師尼可拉斯‧葛林修（Nicholas Grimshaw）設計新的房舍，自此開啟了維特拉新的面貌。

Vitra維特拉可以稱得上是歐洲現代傢俱特別是座椅的設計中心， 1980年代起因為新的接班人與廠區建築設計，Vitra除了承續原有的簡單樣式、豐富色彩、環保概念辦公與居家座椅設計生產之外也開始致力於設計人才的培育，並設有工作坊提供課程讓民眾參與，從一家私人設計生產公司發展出具有社會教育使命的博物館與教育中心。

維特拉博物館收藏了數百張近百年來重要的座椅設計：例如丹麥設計大師潘頓（Verner Panton）設計出全球第一張椅身與椅腳一體成型的經典作品，他的座椅線條宛如美人魚，不僅重是人體工學更具觀賞價值，至今還是許多人的最愛。同時為特拉也持續與全球頂尖的設計師合作推出新的設計產品：Jasper Morrison、Mario Bellini、Marcel Wanders、Ronan and Erwan Bouroullec等設計師都與維特拉有精采的合作設計。 一個原來以生產葡萄酒為主業的小鎮，因為一家私人公司改變了整個生態，威爾鎮如今已經是椅子之鎮的代表，維特拉公司甚至邀請當地居民與商家公同參與「椅子之城」計畫，參予者從維特拉典藏的世紀經典椅中選擇適合與喜愛的款式，依據原設計放大一點五至八倍大，然後將其置放在小鎮公共空間，成為新的公共藝術設計，自1990年至今二十年，已經有二十張椅子被選擇成為公共藝術並出現在小鎮的各地。

參觀維特拉博物館如果沒有報名團體導覽行程，廠房區等大師建築就無法參觀，但是由蓋瑞設計的白色流線博物館以及由赫爾佐格與德梅隆設計的消費中心則開放所有觀眾參觀。博物館每年有三到四檔主題或專題性設計展覽，並且策劃設計展覽在全世界各地巡迴展出，參觀展覽後觀眾也可以到消費中心選購小型模型或其他紀念品，其他樓層則展示了維特拉生產的設計家飾在不同空間的景觀，同時可以訂購。

維特拉與威爾小鎮成就了企業、公共藝術與居民生活的結合典範。

時尚設計博物館

比利時的安特衛普（Antwerp）是歐洲甚至是全世界重要且知名的貨運港，但是許多人不熟析其實這裡不但是鑽石重要的加工城市與交易中心，同時也是歐洲時尚的重要據點之ㄧ。城裡當然少不了鑽石博物館（Diamantmuseum）與時尚設計博物館（ModeMuseum Provincie Antwerpen）。

安特衛普是個極為富裕的城市，傳統的海運事業更塑造了城市自由不驥的氣息，當然也孕育出富有創意的思想與藝術家，比利時當代藝術家大多選擇在此設立工作室創作而非首都布魯塞爾，國際時尚界重要的安特衛普六君子（The Antwerp Six）也來自此地的皇家藝術學院。

1980與1981年畢業於安特衛普皇家藝術學院服裝設計系的六位學生Walter van Beirendonck、Ann Demeulemeester、Marina Yee、Dirk van Saene、Dries van Noten、Dirk Bikkembergs（其後淡出）以及後來加入的Martin Margiela。風格截然不同：Whilst Van Noten的圍巾使用異國情調的布料、珠狀的薄紗，染印的裙子則是來自印度、摩洛哥和埃及傳統手工藝；Van Beirendonck從未來主義的時尚概念出發設計，大膽的圖案與剪裁，都帶著誇張與挑戰。最初他們共同籌畫時裝秀，1988年倫敦的時裝週上一鳴驚人，獲得前所未有的高評價與掌聲，英國媒體也謂他們取了安特衛普六君子的封號，同時國際時裝界也注意到安特衛普的學院訓練及成績，充滿創造力的設計與完美無暇的比利時流行工業手藝在流行時尚圈也占據了重要的版圖。

雖然倫敦時裝週的成功打響了這些年輕設計師的名號，他們並沒有選擇倫敦或巴黎發展，反而繼續留在安特衛普開發品牌，同時有了獨立的展示空間與店面，安特衛普六君子掀起了新設計師的創新風潮，這些店面在市區連結成一條時尚大道，而大道中心則是設計實尚博物館。安特衛普六君子響亮的稱號，使得每年皇家學院服裝設計系的畢業秀總是吸引眾多目光，每年六月，安特衛普擠滿了來自世界各地的國際記者、雜誌編輯和攝影師，企圖尋找下一個新天才。

安特衛普時尚設計博物館（ModeMuseum Provincie Antwerpen）在時勢推波助瀾下開館，每年有兩檔重要的設計主題展覽介紹時裝設計的歷史與最新動向。目前展出的是帽子大師瓊斯（Stephen Jones）的頂上設計，一百二十件天馬行空的帽子件件都是藝術創作，這些收藏都來自安特衛普本地Geert Bruloot與Eddy Michiels收藏家，看來安特衛普之成為時尚流行的重鎮早有跡可循。三十年來瓊斯位許多知名國際品牌設計，甚至黛安娜王妃、瑪丹娜、凱莉米諾到碧昂斯等名人都在各個場合與音樂錄影帶中展示了他的設計。

走在安特衛普的街道上看著每個玻璃櫥窗所展示的不同設計師最新創作，流行的氣息就瀰漫在每個移動的步伐裡。

香水博物館

巴黎有數不清的美術館、博物館，但是在歌劇院與老佛爺百貨公司附近有一家香水博物館可能知道的人就不多。香水的重要性，對歐洲人而言就像是另一件衣服必須穿戴一般的程序，同時也是禮貌與代表個人品味的展現。

擁有超過三百年歷史的法拉戈娜（Ｆragonard）香水是法國歷史悠久的品牌，至今還保留歷史的香水工廠。來自小鎮Grasse，但是如果走訪巴黎，法拉戈娜在此也有工廠、展示櫃與博物館（Musee Du Parfum）。在香水博物館裡觀眾可以回故鄉水產生的歷史以及如何製造的過程，甚至每個年代不同的香水瓶都是精采的藝術設計傑作。

1983年香水博物館已經在巴黎開始展示，不同我們以往參觀博物館的經驗，這一次是真正能在肌膚上體驗，而且是用嗅覺來參觀館，香水從原料選擇、蒸餾、浸泡與油淬法其中不僅要對自然植物有科學的分析，還必須在嗅覺的世界裡製造出想像的空間，其實在喧囂的巴黎街頭，此處突然是靜謐安詳的天堂。

Julian Rosefeldt 朱利安•羅瑟菲爾德特

德國錄像藝術家朱利安•羅瑟菲爾德特（Julian Rosefeldt）的作品若要說在國際上最大的能見度應該是曾經以「蘿拉快跑」（Lola rennt）一舉成名的德國導演湯姆•提克威爾（Tom Tykwer）令一部執導的電影The International片中，在紐約古根漢美術館裡男主角克里夫歐文（Clive Owen）與女主角納歐密華滋（Naomi Watts）追逐場景中，緩慢移動的錄像展覽作品就是來自羅瑟菲爾德特。

如此大費周章描述其實是在說明這位藝術家還沒有 受到亞洲藝術圈的重視，但卻是値得介紹的藝術家之ㄧ。羅瑟菲爾德特曾受邀參加聖保羅雙年展、塞維亞雙年展與第一屆雅典雙年展，多頻道錄像作品呈現同依事件 的不同角度，或者是類似情境不同事件，藝術家經常以緩慢的運鏡包覆瀕臨崩潰的巨大情緒，形成更強大有力的震撼。
《生活在遺忘之中》（Living in Oblivion）2010在柏林市立畫廊（Berlinische Galerie）所展出的三件作品包括：《位移》（The Shift, 2008）、《城市隱形》（Hidden City, 1994/2010）、《慕尼黑—未知的大教堂》（München-Die unbekannten Kathedralen, 1995）。展覽特別由長期合作的建築師Piero Steinle打造特殊的展場，觀眾走入每個播放空間猶如進入不同的時光隧道，在鏡面中反照觀眾與自己的臉龐以及展場的純白空間，進入播映室後一片漆黑， 瞬間進入藝術家所設定的情境之中。

《慕尼黑—未知的大教堂》以180度半圓的空間，陸續播放慕尼黑不為大眾所熟知的廢棄 空間，觀眾彷彿置身其中，經歷慕尼黑的工廠、下水道；《城市隱形》所記錄的是當年希特勒在慕尼黑國王廣場（Königsplatz）欲建造的NSDAP總 部，如今此處是藝術史研究中心（Zentralinstitut für Kunstgeschichte）。羅瑟菲爾德特來自慕尼黑，因此早期作品都從自己生長的城市開始，但是藝術家目前居住於柏林，他的作品從2003年起也 開始了不同的風格，更多當代城市生活寫照或者是從情境描繪心理的無劇情劇場錄像作品。

2008年的作品《位移》由一位演 員再不同空間情境中分別扮演四個不同的角色，但是畫面以四屏道同時出現，不同的工作場景，每個工作猶如生活固定的儀式反覆不斷，最後四個人物同時在倦怠失 落的同時進入時空隧道，到達未知的空間，此時畫面出現科幻電影的場景，藝術家接軌塔可夫斯基（Andrei Tarkovsky）1972年作品《飛向太空》（Solaris）與庫柏力克（Stanley Kubrick）1968年作品《2001太空漫遊》（2001-A Space Odyssey），向大師致敬。

Korean contemporary art 泡菜的滋味 ──韓國當代藝術現況

韓國是一個在各方面轉變極為快速的國家，不論是政治、經濟、文化、社會或者是藝術都有著令人驚訝的躍變活力，自早前中國的藩屬、日本的殖民痛苦經驗、一直到韓國國內的政治局勢，1948年大韓民國成立，1950-1953年爆發戰爭、光州事件、學生標舉民主的抗爭，血淚的揮灑幾乎成了韓國人日記裡無法抹滅的印記。1993年金泳三代表民自黨在競選中提出「穩定中推進改革」、「清廉的政治」、「強有力的政府」等口號，獲得民眾空前的支持，韓國開始邁向一個新的紀元。

「民眾藝術」則是藝術家對於舊體制與當時約定俗成觀念的反動，藝術家認為單調的形式主義根本無法呈現韓國獨特的社會與歷史背景及現況，他們開始從平民百姓的生活找尋靈感與素材，描繪鄉村生活與貧窮的現實人生，道出工人階級在資本主義宰制下的心聲，更毫無顧忌的使用以女性為主的性愛照片或文字強調主體意識，一連串有組織的藝術家革命在韓國出現，雖然於1988年因為整個韓國將焦點集中於奧林匹克運動會的風雲湧現，「民眾藝術」突然嘎然而止，然而此宣言與運動影響了後輩至今的年輕藝術家。

韓國因為奧林匹克運動會一夕成為世界目光的焦點，金泳三當選總統後主張的「世界化」，以及2002年的世界杯足球賽，都將韓國與世界拉起了綿密的關係，不僅政治經濟的改變，文化藝術與世界的交流更是蓬勃，首都首爾幾乎變了另一個模樣，年輕人不再如老一輩對傳統充滿了愛卻又缺乏自信的畏縮，展現出來的是與世界平起平坐的驕傲。

民眾開始將眼光放遠到世界正在發生的大事，1994年韓國國立當代美術館將美國惠特尼雙年展搬到了韓國展出、1995年光州雙年展請了為數眾多來自世界各地的藝術家參與。1994年韓國國立當代美術館規劃了「民眾藝術十五年──1980-1994」回顧展，其實也正式宣告「民眾藝術」走入歷史，此運動已經不再是當前藝術家仍要高舉的口號。

1990年代後的韓國藝術

西方於1970年代大興「後現代主義」，韓國於1980年代中期僅是報紙與藝術雜誌偶爾提及的新名詞，1990年起「後現代主義」卻成了最時興的流行語，甚至咖啡店或精品店都以此為店名吸引消費族群，大眾傳播事業大肆崛起帶動了風潮，西方的流行訊息傳遞至韓國的速度飛快，韓國人不再閉塞於殖民的悲愴記憶中，女性主義抬頭，運用科技的錄像藝術成為時尚，攝影藝術受到注意，裝置藝術變成最新的藝術創作手法。新一代的藝術家比前輩顯得更為積極與勇於面對國際藝術的挑戰，或者更應該說是充滿的強烈挑戰的野心，藝術家不再尋求同儕的支持，轉而走向更為獨立的道路，他們積極在傳統與現代間找尋自己的定位，一種僅屬於藝術家本身獨特的況味，因此年輕一輩的藝術家開始從自己的出生背景挖掘真相，將自己當作是研究或是閱讀的對象，他們要找出的不僅是擺盪在新舊間的新認同，更要從亞洲的文化裡找出屬於韓國本身的獨特性，依附於中國傳統或是被日本文化侵蝕的曖昧不清更需要強烈的毅力來分辨。

除了韓國國內藝術家對於當代生活的關注，對人類環境與認同的議題思考之外，一群在國外出生或成長的年輕藝術家更是對韓國當代藝術發展推波助瀾的新力量。1995年韓國國家館正式在威尼斯雙年展中出現，成為25個綠園城堡中國家館的一員，同時也是第二個在此出現的亞洲國家。僅僅如此已經讓韓國足以大大驕傲，國家館的參展藝術家Jheon Soocheon獲得特別獎，1999年另一位藝術家Lee Bul又獲得同一殊榮，金守子（Kim Soo-joo）與徐道淮（Su Dong Ho）的作品也在雙年展的國際展中出現，對於韓國當代藝術界而言都是正面的強化劑。

不過短短的十幾年時間，韓國當代藝術的發展如春天盛開的繁花。年輕藝術家倍增，每年從藝術學院或是大學的藝術系畢業的學生超過千人，一個社會如何容納每年數千人數增加的藝術家確實令人無法想像；再則以首爾為例，幾乎每個月都有新成立的畫廊，除了週日以及週一晚間之外，每天晚上都有新的展覽開幕，每一檔展覽長則一個半月，短的一個星期則結束，為了提供更多展出的空間與場地，也為了新藝術收藏群的需要，不斷的發掘年輕藝術家、隨時提供不一樣的展覽成了畫廊經營者的忙碌工作。

首爾市立美術館、韓國國立當代美術館等公立單位以及為數頗多的私人畫廊每年都推出新年輕藝術家的個展或群展。2006年國立當代美術館以「YKA（Young Korean Artists）」為新世代藝術家舉辦每兩年一次的展覽，展出Kim Shin-il、Kiman Young、Kim Hong-hee、Mok Jin-yo、Park Mi-koung、Ahn Kang-hyun、An Jung-ju、Lee Kang-won、LeeHaiMinSun、Jackson Hong、Jung Jae-ho、Jo Hae-jun、Zin Ki-jong、Choi Sang-ah、Hong Bo-ram、Hwang Jong-myung十六位藝術家的作品，平均年齡不過三十歲而已；首爾市立美術館（自2004年開始，2006年為第二次舉辦）同時推出「Selected Emerging Artists SEMA 2006」以主題的方式將三十位藝術家的作品分別呈現在六個架構中，呈現韓國年輕藝術家如何面對所處社會與文化的現狀。三星企業支持的Rodin Gallery也在同時推出「Symptom of Adolescence」展出Min Hwa Choi、Young Whan Bae、Hein-kuhn Oh、Do-ho Su、Jia Chang、Minouk Lim、Gim Hongsok、Flying City、Manki Yang、YP771207701-@、Tae-joon Hyeon、Area Park等年輕藝術家的作品。加上私人畫廊以年輕藝術家為專題的展覽，光是2006年九月裡便有超過百位的年輕藝術家作品同時出現在首爾的美術館或畫廊。更有趣的是這些展覽的標題都是直接以英文命名，沒有韓文，韓國當代藝術企圖與國際接軌的企圖非常明顯。

如同前述，新的藝術家不再依附任何的團體，他們從自己的成長背景或生活體驗中找尋靈感的源頭與創作的主題，這個社會也似乎渴望須看到更多藝術家對社會現實或是個人生活的反映，尤其中觀眾可以找到一絲絲的慰藉或者認同。

藝術家運用的媒材多反映的當前科技的進步，從錄像到裝置不一而足。有一個現象倒是可以特別注意：韓國的藝術科系中對於創作的類別與媒材分開教授，如今仍有許多學生是從東方傳統繪畫系畢業，這些藝術家所呈現的水墨或是素描往往具有強大的爆發力或質疑，他們在屬於傳統東方的水墨與紙張間尋找除了東方與西方以及油畫與水墨分別之外的可能。

設藝術村如同蓋公寓

在台灣蓋公寓的速度飛快，價錢好、獲利高，當然在韓國也是相同的情形，房價高漲對上班族而言簡直是惡夢一生。但是與台灣不同的是藝術家駐村或是藝術家工作室的設立不僅僅是公家單位的政策，私人企業、基金會、畫廊都投入支持藝術家的行列。

韓國國立當代美術館底下設有兩個藝術村：Goyang Studio 與Chang Dong Studio提供藝術家三個月或一年的駐村與此地的展覽，同時協助藝術家與國內外畫廊及美術館的展出協調工作。成立於1983年的Gana藝術中心提供三個不同的藝術家工作室，Ansung Atelier、Gana Atelier、Jang Heung Atelier，後者屬於市鎮規劃的一部分，Gana將已廢棄的旅館全部買下，改裝成藝術家工作室，鄰近設有兒童藝術公園，並邀請投資者共同參與市鎮改造，企圖將距離首爾一小時車程的昔日遊樂休閒區改裝成多功能的藝術村。SSammzie Space至今已是第九個年頭，同樣提供一年與三個月的藝術家駐村計劃。除了首爾之外，其他城市諸如釜山、光州、大邱、大田等程式或地區皆設有藝術村提供韓國藝術家與國際藝術家進駐。

韓國藝術圈與國際交流的機會頻繁，展覽的機會也多，成為駐村藝術家就如同是一個工作或展覽的經歷。以GANA為例，每年所徵選的名額不過數十人卻有超過千位藝術家寄出履歷申請，可見競爭之激烈，雖然不保證將來會逾期畫廊或藝術中心展出，Gana也不要求藝術家非有展覽或是留下作品給藝術村，韓國將藝術村的設立或是藝術家的進駐當作是社區營造的另一個模式。

至於私人畫廊如何找到可以展出的藝術家與作品？除了自家支持的藝術家之外，Art Studio成為許多人坦紡明日藝術之星的最佳門路，對於各方面而言都獲益良多。

另一個值得介紹的特殊藝術村計劃是位於波州（Paju）的HeyriArt Villiage藝術村。當地位處於接近南北韓交界的荒蕪地帶，波州市政府竟然計劃在此處設立完全以英語交談的學習村，然後又規劃了一個區域邀請建築師、音樂家、出版商、藝術家到此居住，每棟建築都具有獨特的建築師個人風格以及居住者的特殊品味，唯一的條件是居住此處者若開業僅能與藝術文化事業有關，因此出版社或畫廊便在此聚集。到200６年統計已有超過70棟各具風格的建築設計完成，預計將有超過300個文化藝術團體或機構進駐，此地已經成為韓國民眾假日休閒的另一個熱門去處，因此餐廳與咖啡館搭配畫廊，或是藝術家工作室開放參觀都成為特殊的景觀。

美術館、雙年展、藝術博覽會

韓國國立當代美術館（National Museum of Contemporary Art, Korea）成立於1969年，最初設在舊時皇宮景福宮區域，1973年移到德壽宮，1986年位於果川市的新建築完工，美術館正式遷入，開啟了文化藝術帶動區域發展的風潮，之後韓國許多的類似計劃案都依此模式設計，由於韓國人口幾乎百分之五十集中於首爾，將居民生活密度降低並提供寬廣的文化藝術休閒空間變成了韓國政府的城鄉大計畫之一。由市區到美術館搭乘地鐵約時三十分鐘，再搭乘美術館專屬公車進入首爾大公園內的當代美術館，依據台灣人的習慣恐怕無法吸引太多的參觀者，可是美術館除了週一公休之外，週二至週日每天都是人潮或是學校的戶外教學，這也是美術館引以為傲之處。

韓國政府對於文化藝術的全心投入，從電視劇韓流現象、電影片場的設立（同樣設於郊外）以及對當代藝術的經營都可以見其雄心，不過在講求專業分工的科層體制社會裡，美術館中有一批中央部會的行政人員參與倒是少見，政府的理由是可以更強而有力的支持藝術發展，但是在專業人員眼中卻是有其優點，缺點也不少。

美術館也提供了相關科系學生的實習課程，透過美術館實際的工作執行，一年後這批人馬都在美術館或其他藝術機構擔任重要的策劃工作。而另一個極為特別的計劃是執行文化與觀光部門的文化藝術交流計劃案中的當代美術項目，邀請來自亞洲的相關專業工作者於此留駐六到八個月的時間進行韓國當代藝術的了解與研究工作，並且為美術館及大學院校的美術科系提供講座，於此時間撰寫藝評並策劃展覽，研究計劃結束後由訪問研究員計劃未來在其他國家的韓國當代藝術展覽計劃並付諸實行。韓國文化與觀光部對此計畫極為重視，事後的評估與檢討更為謹慎，由於我是此計畫的第一位執行者，所以雙方也都特別重視成果。

首爾市立美術館（Seoul Museum of Art）成立於1988年、釜山市立美術館（Busan Museum of Modern Art）則花了四年時間才完成美術館建築於1998年三月正式開放。兩家美術館雖然都屬於市立機構卻都展現國際級的氣勢，首爾市立美術館位於市中心，是許多國際展最愛的地點，也是首爾國際媒體雙年展的籌備與展出中心；釜山市立美術館則承接釜山雙年展的重任。

由三星集團所成立的Leeum Museum of Art邀請了三位國際籍建築師波塔（Mario Botta）、庫哈斯（Rem Koolhaas）、諾佛（Jean Nouvel）以三座美術館建築合體為Leeum，館中的韓國藝術收藏堪稱是韓國的私人「故宮」，現代與當代藝術收藏則兼容韓國與國際藝術家的精品，檔期展以傳統與現代大師作品交替。另一座位於市區辦公大樓一樓的Rodin Gallery則以當代藝術及年輕藝術家的展覽為重點。

Posco Center 展覽中心為韓國著名的鋼鐵公司所設於江南區辦公大樓的專業藝術空間，在此展出的藝術家都經過特別的挑選也具有國際水準，可惜的是位於商業中心區，與其他的畫廊或美術館距離較遠。

雖然2001年起即有為藝術家設立美術館的計劃，錄像藝術先驅白南准於去年辭世後，計劃得以加快腳步進行，”The MATRIX”的德國建築師Kristen Schemel贏得競圖，位於京畿道龍仁市（Yongin, Gyeonggido，距離首爾一個半小時車程）的白南准美術館（Nam June Paik Museum）預計於2008年開幕，屆時將視韓國另一個當代藝術展覽的中心。

美術館的成立在韓國看來是迫切需要，有眾多的作品、為數不少的參觀人潮。

韓國幾乎可以稱得上亞洲國家中舉辦藝術雙年展最成功的國家，同時也受到國際的重視。成立於1995年，花費一千萬美金打造的第一屆光州雙年展（Gwangju Biennale）吸引了一百六時三萬人次的參觀數字，韓國人稱當年為韓國的藝術年，舉辦至今才於去年風光落幕的第六屆光州雙年展又贏得了掌聲；釜山雙年展（Busan BIennale）面對自家人的競爭，去年也卯足全力獲得比往年更大的好評，釜山雙年展主辦單位於日前決定將走向國際雙年展的路線，以當代藝術為軸心出發。2000年舉辦第一屆的首爾國際媒體藝術雙年展（Seoul International Media Art Biennale）至去年為止共舉辦四屆。

其他的雙年還有光州設計雙年展、利川陶藝雙年展等讓韓國的當代藝術顯得不僅在地化，同時也國際化。他們不是將這些展覽當作只是一個輸入國際藝術的機會，他們找尋的是對等的機會，等待適當的時機將藝術家推上國際舞台。

當台灣為了台北國際藝術博覽會轉型以及如何留住參展畫廊時，光在韓國首爾每年便有超過五個博覽會，其中以韓國國際藝術博覽會（Korea International Art Fair簡稱 KIAF）最為成功，2006年第五屆的KIAF創造了八百萬暪金的成交額，今年西班牙馬德里國際藝術博覽會ARCO以韓國為主題國，五月底舉辦的KIAF將有為數眾多的西班牙畫廊參加，韓國又在一次證明了以藝術做了成功外交與交流的實例。

從失落中找尋自信

或許是韓國人的天性使然，一但決定了一件事便會勇往直前直到達成目標為止，也或許是歷史的悲情讓韓國人更懂得如何將悲憤化為力量。雖然新一代的藝術家已經沒有了前人的歷史創痛或包袱，但是南北韓的分裂還是韓國人生活中無法抹去的話題。另一方面，生活中卻是可以將這些痛苦完全放在腦後發展出另一套邏輯思維，所以電影「我的野蠻女友」有一部分實際呈現了韓國人瘋狂的思考，阿里郎也不再只是悲情，只有嗆辣的泡菜滋味一如韓國人的個性一點都沒有改變。

Untitled (12th Istanbul Biennial), 2011 伊斯坦堡雙年展

伊斯坦堡雙年展雖然在土耳其舉行，屬於歐亞邊陲地帶，多年來卻已經建立起重要的當代藝術雙年展聲譽。特別是一個完全屬於民間、私人企業贊助的非政府機構組織伊斯坦堡文化藝術基金會標榜獨立於國家政治與經濟的掌控，文化藝術能夠有更大的自主性，尤其在土耳其產生這樣一個雙年展，其當代藝術特質更為彰顯。

自1995年第四屆伊斯坦堡雙年展開始，邀請來自世界各地策展人策劃，將原本屬於只是土耳其當代藝術家的舞台擴大為世界性藝術展覽，來自世界各地（大部分為西方）的藝術視野豐富了土耳其的藝術，同時也引進更多國際的資源。

2011年9月將舉行的第12屆伊斯坦堡雙年展於前一年4月即公佈策展人名單，策展人佩德羅沙（Adriano Pedrosa）與霍夫曼（Jens Hoffmann）於2010年10月於伊斯坦堡公布新一屆的雙年展主題為「無題」。引用自英年早逝的古巴裔美國藝術家岡薩雷茲-托瑞（Felix Gonzalez-Torres1957–1996）的創作精神，作品從不命名，專注藝術與政治的關係，Untitled" (Passport), "Untitled" (Ross), "Untitled" (Death by Gun), Untitled (Abstraction), 與 Untitled (History)將是展覽的幾個子題。除了展覽之外，策展人特別強調＂教育＂在展覽中的角色，雙年展的一部分經費將放在提供學校教學參觀與藝術家活動。

巴塞爾藝術博覽會的藝術沙龍單元也邀請到兩位策展人到場，兩人甚至為當今策展人角色養成與功能有針鋒相對的激辯，擦出不少火花，同時也看到佩德羅沙對於當前氾濫的策展人頭銜與能力名過其實的抨擊。伊斯坦堡雙年展將會是一個具有高度政治但又回歸藝術議題的雙年展。

Abraaj Capital Art Prize 阿布拉吉集團藝術大獎

中東、北非與南亞地區最大的私募股權集團阿布拉吉（Abraaj Capital）總部位於杜拜，自2002年成立以來募集超過七十億美元資金，投資25家不同產業的經營。阿布拉吉藝術大獎（Abraaj Capital Preize）獎金壹百萬美元，與全世界的藝術獎項來比較可稱為高額的獎項，但是其中最具意義的不僅在於獎金的多寡，而是私人與企業對當代藝術支持型態的轉變。

企業家支持當代藝術，很大的利基點在於為自家的品牌鍍金，增加不同的品味與社會形象，這些宣傳效益甚至多過單純的廣告發行。各地公立美術館受到私人或企業的捐贈相對減少，基金會與藝術獎項的成立成了新的趨勢。
阿布拉吉藝術大獎每年在杜拜藝術博覽會同時展覽與公佈得獎藝術家，自2009年第一屆如今已成了中東、北非與南亞當代藝術界的大事之ㄧ。得獎作品也都成為集團的收藏，藝術家的名氣也水漲船高，多已有國際大展的邀請，如阿爾及利亞藝術家阿提亞（Kader Attia）。

7月4-24日倫敦的展示窗－阿拉伯當代藝術節（Shubbak,阿拉伯語中為窗戶的意思）也也藝術大獎的展覽。

Vertical Garden--CaixaForum Madrid

The CaixaForum is located in the heart of Marid, joining together with the city´s golden triangle El Prado, Musep Nacional Centro de Arte Reina Sofia and Thyssen´Bornemisya Museum.

The museum is housed in a converted power station, a significant industrial architecture since 1899. The classified brick walls of the former power station are reminiscences of the early industrial age in Madrid. But it has been transformed by Swiss Architects Herzog & de Meuron as a new cultural center in Madrid.

The CaxiaForum project has been shown in brief on landscape and urbanism. It is using two complementary materials, red rusted metal panels and green vegetated panels, juxtaposed together as an amazing composition. The 24-meter high vertical garden, designed in collaboration with french botanist Patrick Blanc, who has designed many in the world.

The vertical garden can grow plants without any soil. It undermines traditional thought of what the garden should be. Now when we look a the garden. We should say “Look UP the garden!”

自然劇場

布雷根茲夏日藝術節（Bregenzer Festspiele）

奧地利的小鎮布雷根茲（Bregenz）位於博登湖（Bodensee, 英文與中文譯名為康士坦丁湖）旁，博登湖位於德國、瑞士與奧地利的交界，是夏季遊客最愛的景點之ㄧ，湖旁有許多風景優美的鄉鎮風光。布雷根茲居民到三萬卻 有一座2009年普立茲建築獎得主彼得楚姆特（Peter Zumthor）所設計的布雷根茲美術館（Kunsthaus Bregenz）與最富盛名的夏日藝術節（Bregenzer Festspiele）全世界最大的水上舞台（Seebühne），整個舞台的全部設計與演出都在博登湖上。

布雷根茲夏日藝術節自1946年創立，最知名的水上舞台每次藝術節只演出一部歌劇，因為舞台設計全部依據演出節目安排，1985年起每兩年僅演出 一部歌劇，但是年年爆滿，每場水上午台的演出可以容納約七千名觀眾。2010年從7月21進行至8月22日，一個月的時間估計吸引數十萬參觀者。電影 007《量子危機》的托斯卡哥劇場景就是在這裡拍攝的。

2010年的劇碼為威爾第的《阿伊達》，這個以西元前1230年古埃及法老王時期為時空背景的四幕劇，充滿濃厚的異國情調，舞台佈景還以一隻巨大的象為 主角，加上神殿倒映在湖光彩霞的自然場景，舞台遠方還能看到湖岸另一個小鎮林道（Lindau）的萬家燈火，沒有一個觀眾不為這夏日景致下的歌劇發出讚 嘆。

布雷根茲從一個位於萊茵河谷與阿爾卑斯山簏交會的小鎮成為今日的觀光熱門景點，固然自然美景吸引人，夏日藝術節的名聲遠播更是大功臣。將德奧邊界旅遊規劃為路線的特色就是湖光山景，以及寧靜安詳的氣氛，布雷根茲的美術館不容錯過，博登湖的美景就是一座天然的舞台。

奧柏阿馬高的耶穌受難記（Oberammergauer Passionsspiele）

同一齣歌劇每十年才上演一次，每次動員全村的居民參予製作演出，這應該是世界僅有的歷史自然劇場。

德國巴伐利亞州南部的一個河谷小鎮，至今居民只有五千多人，環抱群山之中彷彿仍停留在中古世紀從未進入現代社會。神聖羅馬帝國內戰演變成整個歐洲 的三十年戰爭（1618-1648），各國爭權奪利豎立霸權，甚至連宗教也產生糾紛，悲慘的是此時黑死病侵襲釀成巨災，虔誠信仰天主教的奧柏阿馬高 （Oberammergau）也無法倖免，1633年當地的地方領袖集體禱告祈求上帝保佑免於不斷遭受瘟疫的危害，同時許願每十年演出耶穌受難劇以示感 恩，瘟疫逐漸平息，小鎮居民也逃過摧殘，1634年耶穌受難劇正式上演，當地60位居民參加演出。自此傳統一直延續至今，成為最具特色的宗教傳統也成為著 名的文化觀光節目。

2010年正好是每十年演出的時間，2009年起全村就開始總動員，只有在本鎮出生或者居住超過二十年的居民才有資格參與演出。經過遴選四月份於 村莊正式公布佇要演出的入選名單，每個角色由兩位擔任以應付超過百場的演出，今年參與演出的演員從16歲的高中生到77歲的木雕師傅。但是劇中有幾次大合 唱的場景，超過900人的大合唱甚至馬匹、羊群、鴿子等動物也都出現，估計上台演出者有2400名，除了演出工作，其餘居民還等負責行政工作與票務，幾乎 有一半以上的居民都直接參予這場盛會。

一場十一幕的演出從下午兩點一直到晚上十一點，中間三小時的休息，從五月到十月共有一百零五場演出。走入劇場時綠樹圍繞，結束時抬頭一望已是星光滿天。觀眾大多在小鎮留宿，否則夏天的夜晚山區仍然充滿迷霧與寒冷，但是現場觀賞配合自然山景猶如回到中世紀。

德國的慕尼黑與新天鵝堡是熱門景點，但是同樣位於巴伐利亞的奧柏阿馬高卻有不同的風情。最知名的是許多房舍的濕壁畫描繪耶穌故事或是德國童話故事，除了每十年一次的耶穌受難劇演出整個小鎮祥和安靜， 仍保有阿爾卑斯山的自然與純真。

歷史劇院

莎士比亞（William Shakespeare,1564-1616）的經典喜劇「仲夏夜之夢」（A Midsummer Night's Dream）幾百年來不斷在全世界各地上演，尤其是在歐洲的夏日餘暉中演出，更顯現了劇場的魅力；西洋歌劇的動人情節與催人熱淚的詠嘆調彷彿甜蜜的魔咒，召喚觀眾夜夜進入歌劇院跟著劇中的主角悲喜。威爾第（Giuseppe Fortunino Francesco Verdi）的《阿伊達》（Aida）與《茶花女》（La traviata）、普契尼（Giacomo Puccini）的《杜蘭朵公主》與《托斯卡》（Tosca）、莫札特（Wolfgang Amadeus Mozart）的《費加洛婚禮》（Le nozze di Figaro）與《魔笛》（Die Zauberflöte）、比才（Georges Bizet）的《卡門》（Carmen）不論是王公貴族或者平民百姓都將進欣賞歌劇視為必要的社交與休閒活動，因此也造就了許多經典歌劇院建築。

許多傳奇的劇院建築與自然景場本身就充滿傳奇的故事，每天的表演劇碼總是吸引來自四面八方的觀眾，好的演出更是一票難求。但是如果你到這個城市造訪，不仿還是將劇院參觀排入行程之中，除了每天晚上演出與特殊工程之外，這些劇場都有白天的導覽。一張約五歐元的票就能逛盡整個劇場，同時還有專人解說，運氣好的時候更能看到晚上將演出節目的彩排。


巴黎加尼葉歌劇院（Opéra Garnier）

1858年巴黎警政廳為拿破崙三世的第二帝國重新規劃城市藍圖，歌劇院為計畫中的重要項目之ㄧ，從171件競爭案裡由法國藝術部決定了年方35歲的建築師查爾斯‧加尼葉（Charles Garnier）的設計案，1861年奠基動土，中間經歷普法戰爭以及法國內部革命與巴黎公社興起，幾經波折才在1875年完工揭幕。

當年年輕藝術家的建築設計受到質疑，如今加尼葉歌劇院卻成為巴黎的地標之ㄧ。這座新巴洛克建築歌劇院擁有2200個座位席次，內部雕飾富麗堂皇，以大理石為主的橫樑、廊柱與雕像鋪陳出皇宮的氣息，交錯的長廊與廳堂彷彿還可以想見昔日上流社會的社交場景。表演廳正中央的玻璃吊燈重達6公噸，1896年一場表演途中，因為支架受損而墜落發生意外，導致一位婦女身亡。這個事故的發生卻成就了當今最著名的音樂劇「歌劇魅影」（Le Fantôme de l'Opéra）的故事靈感，法國作家卡斯頓‧胡勒（Gaston Louis Alfred Leroux）完成了這部小說。

1964年畫家夏卡爾（Marc Chagall）為表演廳的天花板繪製大型作品，一向充滿浪漫幻想的夏卡爾作品卻不受法國人的青睞，直覺破壞了整個歌劇院的巴洛克宮庭風格，因此法國人介紹此歌劇院時通常很少介紹夏卡爾佔據整個表演廳的繪畫，但是即便如此，進到劇院不注意到這件作品也是一件難事。從中卻可以看出法國人對生活美感的堅持與品味，好的東西並不是都放在一起就適合，還需要適合的情境與氣氛。

造訪花都巴黎當然凱旋門、巴黎鐵塔、凡爾賽宮都是絕對行程，許多人也不忘到聞名的老佛爺百貨公司搜尋名牌，而加尼葉歌劇院其實就在百貨公司旁邊，到咖啡廳點一杯純正的法國咖啡，欣賞來往的人群，看看這棟矗立在現代摩登生活中的新巴洛克建築，別有趣味。

歌劇院平日開放參觀，特別推薦的還有歌劇院博物館，陳列從京演出的戲服與舞台設計模型；禮品部不但有經典錄音與錄影，還有劇院造型的各種紀念品與給小朋友的玩具。

維也納國家歌劇院（Wiener Staatsoper）

說到西洋歌劇，絕對不能忽略的當然是維也納歌劇院。1869年莫札特的《唐喬凡尼》（Don Giobanni）成為歌劇院開幕首演的節目，奧匈帝國首位皇帝法朗茲‧約瑟夫（Franz Josef）與伊莉莎白皇后也參加了開幕首演。

似乎許多歐洲的歌劇院建築一開始都無法被當地居民與觀眾所接受，維也納歌劇院也遭遇了同樣的命運。更有甚者，1945年第二次世界大戰期間劇院舞台被盟軍部分炸毀，還發生大火，曾經在此演出超過一百二十場歌劇的文件與戲服多付之一炬，多卞的命運反而讓奧地利人懷念疼惜。經過多方歷時數年的討論，是否另外覓地重建或者依據原來的建築於原地恢復舊觀，1949年終於決定恢復原來樣貌，但是增加觀眾座位並且以更好的原木設計加強表演廳的收音效果。

維也納是古典音樂之都，尤其是著名的維也納愛樂（Wiener Philharmoniker）自1842年成立以來以體現最完整純正的維也納風格自居，樂團成員皆來自國家歌劇院，但是音樂會演出時則以維也納愛樂成團，屬於私人組織的性質，但是一百多年來樂團與歌劇院已經密不可分。音樂家馬勒（Gustav Mahler）於1898至1901年擔任樂團總監，1900年帶領樂團參加在巴黎舉行的世界博覽會，更將樂團的名氣打響。多年來許多音樂家作品的首演都以維也納愛樂為指定樂團，布魯克納（Anton Bruckner）第八號交響曲、布拉姆斯（Johannes Brahms）第二與第三號交響曲都在樂團的演奏中開始受到世人的注意。自1933年起樂團不再有首席指揮與總監的職位只以客座指揮邀請頂尖音樂人合作，里察‧史特勞斯（Richard Strauss）、托斯卡尼尼（Arturo Toscanini）、蕭提（Georg Solti）、祖賓梅塔（Zubin Mehta）、阿巴多（Claudio Abbado）、巴倫波因（Daniel Barenboim）等不勝梅舉，阿巴多也曾率團到台北演出。

德國南部與奧地利每年初春的嘉年華狂歡節（Fasching）是年度的大慶典，除了街頭遊行之外，維也納國家歌劇院也在大齋首日（Aschermittwoch）將所有的座椅搬離，整個大廳成為最金碧輝煌的舞池，男是必須穿著套上蝴蝶結的白襯衫與燕尾服、仕女們則必須有及地的長裙晚禮服，每年的維也納歌劇院舞會（Wiener Opernball）宛若古典歐洲的重現，至今除了在金色大廳舉辦的維也納新年音樂會外，舞會也會透過電視現場直播。

參觀維也納國家歌劇院的限制較嚴格，每天有固定的參觀時間以及不同的語言導覽，但是必須團體跟隨導覽員行動，同時禁止照相，遇有活動導覽也會停止。奧地利人對於這家歌劇院有很深的感情，維也納是音樂之都的美名無可取代。維也納的咖啡與蛋糕絕對是一絕，咖啡廳的濃郁香味配上古典音樂彷彿走回經典歐洲。

米蘭史卡拉歌劇院（Teatro alla Scala）

義大利米蘭以時尚設計聞名全世界，但是在古典音樂世界與歌劇界裡米蘭的史卡拉歌劇院也是愛樂者的朝聖之地。史卡拉歌劇院原址本來就有一座劇院，卻在一場嘉年華會的大火意外中燒毀，1778年史卡拉歌劇院才於原址興建正式開幕。

擁有超過3000個座位的歌劇院因為當初造價太昂貴，以出售包廂的方式募集資金，因此每個包廂的所有人都竭盡所能裝璜以顯示財力與身份地位，包廂越豪華越有氣派，歌劇院成為貴族與富豪的重要社交場合，這也道盡當時的社會奢華與米蘭城市的時尚追求，毋怪乎米蘭之後成為流行時尚設計的重鎮。但是懂音樂、愛音樂的人並不是都很富有，舊時歌劇院的頂層樓座（loggione）雖然視野不佳卻有音樂界的三教九流人物，只要當晚演出者一有閃失，此處便響起噓聲，演出者莫不膽顫心驚。

史卡拉歌劇院於第二次世界大戰中也遭波及，空襲中被嚴重炸毀，如今所看到的劇院樣貌則是戰後的修復成果。劇院裡也設有博物館珍藏許多音樂家的手稿與表演戲服、劇場設計模型，其中最大量的是威爾第的文件。

歌劇院還是保留許多的音樂欣賞傳統，劇院要求觀眾一定要穿著正式禮服，特別是首演當晚男士更被要求西裝與領帶，演出當晚如果在劇院前走一回就可以感受米蘭的時尚與品味絕對不是浪得虛名。

史卡拉歌劇院位在米蘭大教堂附近，只有幾分鐘的腳程，五歐元門票就可以回想舊時的王公富豪娛樂與炫耀場景，劇院謝絕任何照相錄影。

威尼斯鳳凰劇院（Teatro La Fenice）

威尼斯的鳳凰劇院就如同其名，總是不斷在浴火中重生，1792年完成的鳳凰劇院正式展現於世人面前，十九世紀起鳳凰劇院便聲名遠播，羅西尼（Gioachino Antonio Rossini）的作品在此獲得成功演出；貝里尼（Vincenzo Bellini）也有兩部歌劇在此首演；多尼采蒂（Gaetano Donizetti）的作品與劇院更是相輔相成。這三位作曲家的作品被推崇為十九世紀初美聲歌劇的典範，鳳凰劇院在其中也扮演重要的角色。

1836年劇院遭遇祝融之災，一年後經過整修重建重新開幕，1844年起威爾第長期與劇院合作，許多經典歌劇《艾爾納尼》（Ernani）、《阿塔莉亞》（Attlia）、《弄臣》（Rigoletto）、《西蒙波卡聶拉》（Simon Boccanegra）與《茶花女》都在此處舉行首演，也奠定了音樂家的地位。

第一次世界大戰期間劇院關閉，但是再度開放後受到音樂家與指揮家的懷念，紛紛前往劇院演出或發表作品，1930年威尼斯雙年展首度將國際新音樂納入節目，吸引了史特拉汶斯基（Igor Stravinsky）、布列頓（Benjamin Britten）等二十世紀音樂家前往發表作品。

沒想到1996年劇院再度被大火侵襲，受損程度更加嚴重，2001年調查報告確認是人為縱火，縱火者因不滿工程糾紛進行報復，該年也重新劇院的整建工程，超過兩百位不同領域的人員以及六百五十天的工作恢復鳳凰劇院的昔日輝煌，總經費超過九億歐元，2003年12月重新開幕的當下成為建築界、音樂界與文化界的盛事，貝多芬、華格納、史特拉汶斯基的音樂開啟了浴火重生的鳳凰展翅的新世紀，2004年11月以威爾第的《茶花女》作為劇院重新開幕的歌劇首演，意義更是非凡。

被譽為全世界最美麗的歌劇院，鳳凰劇院的傳聲效果讓挑剔的愛樂族都暫不絕口，女高音蘇莎蘭（Dame Joan Sutherland）還曾說：「在這唱歌，讓人覺得身置鑽石中」。威尼斯整個水都就是一個大劇場，有太多故事與歷史不斷在城市發生然後成為記憶。走訪劇院很容易就迷失在錯綜複雜的運河與小橋之間，甚至經過而不自知，在威尼斯的劇院參觀當作是個中點而非終點才能感受劇場與人生的交會。

荒蕪沙漠油田轉型文化藝術綠洲

台北的一零一大樓曾經是世界最高的建築，但是自從2010年元月以後這個紀錄就被位於杜拜（Dubai）的摩天大樓哈里發塔（Burj Khalifa）所取代。原名為杜拜塔的哈里發大樓總高度828公尺、169層樓高，總造價十五億美元，總建築師是芝加哥史基摩爾－歐文斯與梅瑞爾建築事務所（Skidmore, Owings and Merrill，SOM）的亞德里安史密斯（Adrian Smith），主要承建商韓國的三星SamSung C&T以獨特的興建工程方法，每三天就蓋好一層大樓令世人讚嘆。杜拜的帆船飯店（Burj al-Arab阿拉伯塔）曾經是杜拜的標誌，就像一座大雕塑矗立在海灣；亞特蘭提斯大飯店於2008年正式開幕，當年的開幕煙火秀全世界現場轉播，詔告世人杜拜的旅遊時代方興未艾。加上當代的自由貿易區、全世界最大的購物商城，杜拜展現了滄海變桑田的金錢攻勢，我們所見到的是一個完全用鈔票堆積起來的人工世界。

的確，在這樣一個標榜世界融合的城市裡，感受不到太多屬於阿拉伯文化的傳統氣息，完全被全球化的經濟趨勢所主宰，只要英文流利可以暢行無阻，只要預算不低就可以有超級豪華的生活。但是這裡卻也誕生了中東當代藝術最重要的杜拜藝術博覽會（Art Dubai），每年三月舉行的博覽會已經成為展示中東、北非與南亞當代藝術不可忽略的舞台。

緊鄰杜拜的另一個城市沙迦（Sharjah）卻完全充滿著阿拉伯回教傳統，這裡有重要的沙迦美術館（Sharjah Art Museum）展示本地的當代藝術，以及至今年已超過二十年的沙迦當代藝術雙年展（Sharjah Biennial）是觀察與了解阿拉伯當代文化藝術發展的最佳典範。當然還有還有保留著最傳統文化的世界遺產保護區，雖然離杜拜只有三十分鐘車程卻是一個完全宗教氣息濃厚的酋長國度，整個區域完全杜絕任何含有酒精成分的飲料，居民的穿著與生活還是保有伊斯蘭教的習慣與誡律，這也是到當地參觀必須學習的尊重。為了提倡文化藝術教育，所有的博物館與美術館全部免費，甚至連沙迦雙年展都如此行之有年，不得不讓人佩服主事者對文化藝術的重視以及對居民的教育前瞻。

但是最讓世人驚嘆的是金融風暴侵襲全世界，杜拜新城搖搖欲墜之際，伸出援手的阿布達比（Abu Dhabi）展現了傲人的經濟實力，因石油而致富的實力在此見證。阿布達比擁有全世界第五大石油蘊藏，同時也是全世界最富有的城市（根據Fortune雜誌與CNN的報導）。

阿拉伯聯合大公國（United Arab Emirates）由七個酋長國組成，位於阿拉伯半島上與沙烏地阿拉伯及阿曼為臨，面對阿曼灣與波斯灣，國土面積約為台灣2.3倍大的蕞爾小國。1971年才正式組成聯合政府，自1966年這個區域發現石油以後，經濟發展從珍珠採集地區成為石油巨富國家，據統計阿聯的國民年收入平均接近五萬美元。除了油產豐富，阿聯的首都阿布達比文化基金會致力推動文化藝術並以推廣觀光旅遊為重點，旅遊成為該國的第二個主要經濟來源（也是未來阿聯的主要經濟收入），每年的觀光人次與收入都在增加中。沙迦憑藉著文化遺產與當代雙年展在藝術版圖有了一席之地；杜拜的自由貿易吸引了全世界的投資與觀光，成了新的旅遊勝地；阿布達比則憑藉著本身的經濟優勢，誓言打造出融合沙迦與杜拜的文化藝術超級觀光大城，2004年由阿布達比官方旅遊局（Abu Dhabi Tourism Authority）構思推展位於城市外圍的快樂島（Saadiyat Island）將是一個融合休閒、居住以及投資的新計畫區，其中最令人注目的文化藝術特區將有來自全世界的超級建築師聯合打造出新的博物館建築群，至2020

年全島計畫完工後，絕對是全世界最璀璨的文化藝術迪士尼樂園：日本建築師安藤忠雄的海事博物館（Maritime Museum by Tadao Ando）、英國建築師諾曼佛斯特建築事務所的扎耶德國家博物館（Zayed National Museum by Foster + Partners）、美國建築師法蘭克蓋瑞的古根漢分館（Guggenheim Abu Dhabi by Frank Gehry）、法國建築師尚努維的羅浮宮分館（Louvre Abu Dhabi by Jean Nouvel）、伊拉克裔英國建築師札哈哈蒂表演藝術中心（Performing Arts Centre by Zaha Hadid）。在阿布達比旅遊發展暨投資公司（TDIC）的特別展覽廳與以三噸黃金打造的酋長皇宮飯店（Emirates Palace Hotel）藝廊所展出的快樂島文化特區計劃展《Saadiyat Island Cultural District Exhibition》模型與發展計劃，可以預見一座沙漠中的文化綠洲。

阿布達比謝克扎耶德清真寺（Sheikh Zayed Mosque）以開國元首Sheikh Zayed Bin Sultan Al Nahayan命名紀念，經過兩年的興建於2009年完工開放，是繼麥加的Grand Mosque與麥地那的Prophet’s Mosque世界第三大清真寺，也是惟一一座開放給非回教教徒參觀的清真寺。清真寺白色純淨的宏偉外觀以及內部伊斯蘭宗教建築的特有圖騰型塑了一種莊嚴的氣氛。召禱塔，高107公尺，分別佇立在寺院的四個角落；圓頂多達82個， 17000平方公尺的大內庭，以白色大理石舖成，四周有柱廊環繞；廊柱總計1096根，柱頭上鑲著閃亮金泊，柱身上嵌著彩磁雕花。高聳的圓栱頂下垂掛著高15公尺、直徑十公尺、重達八噸多的德國製水晶吊燈；柔軟綿密色彩繽紛花草般的地毯，由伊朗東部一個專製手工地毯地區的千名婦女花了兩年時間編織完成，是目前全世界最大的手織波斯地毯。

阿布達比的法拉利世界（Ferrari World Abu Dhabi）有世界上速度最快的過山車以及法拉利賽車展示館是追求極速快感的車迷天堂。2010年底才開幕，聲名早就遠播所有車迷的耳中。不論是清真寺或是汽車主題樂園，阿布達比提供了兩種截然不同的生活體驗：傳統與新潮、寧靜與飆速、宗教與科技在此呈現了新的生活型態，兩者也如同博物館展現了此地的文化特色。

然而真正讓一千零一夜的天方夜譚神話在凡間實現的莫過於快樂島的文化藝術特區，這些建築在2012年就會陸續完工呈現於世人的面前。有著雄厚經濟作後盾的阿布達比開始展現對文化藝術的氣魄，甚至將之當作精品名牌來經營，世界頂尖的建築天王天后共同打造新的幸福快樂之城。


安藤忠雄的海事博物館（Maritime Museum by Tadao Ando）

安藤忠雄如此說明他的設計理念：「阿拉伯傳統的三角帆船在內部空間漂浮著，空間中各個物件彼此關連，最後結合至建築物形成整體感，創造一種緊密的視覺經驗。地面層底下的第二個空間設計為接待大廳，並且有一座龐大的水族館，阿拉伯帆船會從水族館上頭漂浮而過，為觀者帶來截然不同的視野。」

阿布達比的自然景致、地形風貌以及阿拉伯世界豐富的航海傳統提供了日本建築師安藤忠雄設計海事博物館的絕佳靈感。整棟建築物就像矗立於海邊的一艘大船，可以反光的表面融合了海水與陸地的雙重視覺感受，像極了船隻構造的內部空間設有漂浮的甲板引導參訪的遊客進入每個不同的展覽區。 海事博物館整棟建築設計維持安藤忠雄簡單卻又強烈的線條構圖特色，為了突顯建築物本身的潔淨，博物館周遭地景以格狀處理，成行成列的樹木種植於建地前方，營造

出綠洲般的邊界氛圍，帶領參觀者由動態的城市生活逐漸進入到海事博物館寧靜而引人深思的空間裡。

佛斯特建築事務所的扎耶德國家博物館（Zayed National Museum by Foster + Partners）

札耶德國家博物館是再次文化藝術特區最後定案的博物館建築。一方面國家博物館代表著阿拉伯聯合大公國的具體文化藝術體現，再者也是展現國家經濟實力的象徵。經過多方角逐，英國的佛斯特爵士以閃耀著太陽光芒、透明如羽翼般的巨大翅膀建築贏得設計案。英國大英博物館不讓古根漢與羅浮宮專美於前，一張十年的合約同意出借展品並策劃展覽。

札耶德國家博物館獎有一個展廳以「石油的故事」為主題，呼應阿拉伯聯合大公國的經濟崛起歷史。博物館預計2013年完工開幕，參觀完全免費。

法蘭克蓋瑞的古根漢分館（Guggenheim Abu Dhabi by Frank Gehry）

蓋瑞的古根漢阿布達比分館同樣是建築師的實驗研究設計。沙漠的起伏、燦爛的大海、充足的陽光，好像有自然的氣場在環繞流動，因此美術館也像是個有動態的建築物，隨處的天窗設計直接引入晝光，內外達成一統調和。

美術館有三個環形廊道，其中之ㄧ為大型展覽廳，另外兩個環型廊道展覽廳則由中央延伸到外，整個建築看似未完工卻又簡單樸素，同時也讓當代藝術成為主角而不會因建築物本身太多的修飾而掩蓋。當然蓋瑞的建築設計本身往往就像是一件雕塑，他更直接說要在這裡加入更多實驗的精神。美術館建築不搶去藝術品的丰采其實沒有人會認同的。

尚努維的羅浮宮分館（Louvre Abu Dhabi by Jean Nouvel）

快樂島在興建計畫之前的地形粗造糙，有一種不經修飾的狂亂但又好像自成水流的章法，地質的粗劣感在柔順的水流調和下有了祥和，加上當地的終年高溫光源，未經開發的處女地還保有純樸的質感。法國建築師尚努維由此遐想出一個未知城市深埋於沙中或沉沒於水底的傳說，他為羅浮宮分館所設計的館舍以夢幻一般的想法，屏除高聳的建築概念，建造一座微型城市。

如透明簾幕的織網巨大穹頂覆蓋整個博物館，當參觀者進入如同置身在一個新世外桃源，自然的光線夢幻般的瀰漫在整個空間，擷取了阿拉伯建築傳統的菁華。而水的概念在此也佔有重要的角色，光影與水的映照透過通暢的微風營造出舒心的氛圍。

巴黎羅浮宮於海外建分館，總經費高達十三億美元（約台幣四百三十億元），預計2012年完工開幕後，羅浮宮的藏品也將歷史性的第一次長期在法國本土以外的地區展出。

扎哈哈蒂表演藝術中心（Performing Arts Centre by Zaha Hadid）

哈蒂曾經為台中的古根漢美術館分館設計，可惜建築案胎死腹中，她一直覺得非常可惜。這一次她為阿布達比表演藝術中心所設計的建築案竟然是從樹狀結構演算及生長模擬進程的有機系統研究與大自然生成法則而來，以滿載的生物能量提供建築設計的內在系統繁殖生衍。但是這一套自然植物理論太過深奧，一般大眾恐怕也難以理解，解單的來描述就是整座表演中心像是有機生長的綠葉，透過建築理論的空間演進與幾何數學演算，生物的幹、梗、果、葉被轉譯到整棟建築，抽象卻又抽象的圖形充滿自然的生機力量也彷彿舞者的肢體律動，相互結合。

62公尺高的表演藝術中心內有五個表演空間，演奏廳居高臨下，白晝光線得以進入廳內空間，來自大海的色澤與都市的天際線透過舞台後方的大面開窗震撼觀眾的視覺。靠南邊的實驗劇場頂部則設立了一所表演藝術學院，結合劇場及教育的功能於一體。

旅遊阿拉伯聯合大公國基本資訊

阿拉伯聯合大公國與台灣沒有正式的邦交關係，但是因為觀光旅遊是該國未來的經濟發展趨勢，簽證的申請與取得極為方便。只要透過旅行社代為訂購機票或訂房就可以有保證人，繳交簽證費用即可取得一個月觀光簽證。如果只是過境停留壹至兩天可透過航空公司擔任保證人協助入境。

最佳的旅遊時間為三至五月以及十月至十二月，七、八月氣溫可能高達攝氏48度；一、二月則只有10-14度。

杜拜有世界最長的無人駕駛中央控制捷運系統，連接各個城市的唯一交通是公共汽車，當地沒有火車運行。因此除了公車之外，計程車就成了最普遍的交通工具。

回教國家禁止販售任何含有酒精的飲料，豬肉在飲食中也禁止（國際性飯店則少有限制）。有時特定時間與場合只限定女性，男人止步的標誌要注意。

Art Foundation in UAE 沙漠中盛開花朵—從藝術基金會看沙迦地區的當代藝術.

阿拉伯聯合大公國（United Arab Emirates簡稱UAE）由七個酋長部落組成，1971年才正式成立為獨立國家，位於阿曼與沙烏地阿拉伯之間並有阿曼灣與波斯灣海岸，是中東沙漠以出產石油著稱的國家。阿布達比（Abu Dhabi）為其中最大的酋長國也是阿聯的首都，而杜拜（Dubai）則是全世界著名的人工島，可是當代藝術卻發生在伊斯蘭宗教最為濃厚與保守的沙迦（Sharjah）。沙迦，於1998年第一個被聯合國教科文組織認定為阿拉伯文化首都的城市，因此整個地區不論是建築以及居民生活型態都還保有非常濃厚傳統的阿拉伯文化特色。

沙迦雖然與杜拜緊鄰，從杜拜驅車前往沙迦視野所見便可感受到環境氣氛的差異。杜拜創造了神話，沙迦卻還保有伊斯蘭文化的傳統精神與精神誡律，整個城市除了國際飯店之外完全不提供含有酒精成分的飲料，食物中禁絕豬肉。每天上下班交通顛峰期間，大巴士載著一批批的勞動工人從沙迦前往杜拜，杜拜提供了豐富的工作機會與收入，沙迦則保持了當地較低的生活消費。兩個緊臨的酋長國其實就呈現了迥異的社會動態，而沙迦雙年展（Sharjah Biennial）具體展現了當代雙年展的關注要素，這也說明了為何是在沙迦而不是阿布達比或杜拜的原因。

沙迦雙年展自1993年舉辦第一屆，從一個地區的藝術展覽經過二十年的歲月如今已經成為阿拉伯文化地區最重要的當代藝術雙年展，同時也是連接國際與區域藝術家、研究機構與藝術文化中心的橋樑。為期八個星期的雙年展廣邀不同領域包括視覺藝術、電影、音樂、表演藝術、文學等藝術工作者，除了展覽之外最重要的活動是講座與工作坊，所有活動提供給居民完全免費，甚至鼓勵家庭與學校組團參與。

沙迦藝術基金會 Sharjah Art Foundation

2009年成立的沙迦藝術基金會由愛爾凱西米（H.H. Sheikha Hoor Al Qasimi）擔任主席一職，柏瑟金（Jack Persekian）則為沙迦雙年展藝術總監。畢業於倫敦皇家藝術學院（Royal College of Art, London）的愛爾凱西米是沙迦酋長國蘇丹的女兒，1998年於沙迦美術館策劃二十一位英國藝術家展覽，並於2003年策畫第六屆沙迦雙年展，但是她對於組織領導的興趣更高過藝術策畫，透過領導階層的支持，沙迦文化新聞局（Department of Culture and Information, Government of Sharjah）的經費來源成立了統合沙迦市的文化藝術活動。因此殺家藝術基金會雖然是一個非營利的機構，但是本質上卻是必須在政治與宗教的誡條下服膺。

藝術基金會實際執行的五大計劃包括：

沙迦藝術基金會創作計畫－直接支持藝術家的創作；三月會議－每年三月舉辦為期三天的藝術論壇，廣邀全世界藝術工作者參與並建立聯繫網絡；沙迦雙年展－自2009年基金會接手後，知名度大增也創下新的參觀人次；藝術家駐村計劃；而最重要的則是藝術教育活動與工作坊－藉由展覽與講座提供居民新的藝術資訊。

如果要了解真正的在地文化與藝術以及阿拉伯當代藝術的發展與推廣，沙迦是一個起點也是絕佳的範例。沙迦酋長國酋長也是沙迦藝術基金會主席的父親默罕穆德愛爾凱西米（Sheikh Dr. Sultan Bin Mohammed Al Qasimi）具有絕大的影響力，九零年代他極力當地文化教育發展條例的修改，包括新建數所大學、整修歷史建築、組織文化藝術研究機構、長年不斷的藝術展覽與教育活動以及創立沙迦阿拉伯文化大獎（Sharjah

Prize for Arab Culture）。文化新聞局屬下的視覺藝術部門主管為馬德隆姆（Hisham Al Madhloum）在酋長國的最高指導原則下整合市區內的歷史建築與文化特區，以沙迦美術館（Sharjah Art Museum）為中心成了藝術特區，也是每一屆雙年展舉辦的主要場地。

巴爾吉耶藝術基金會Barjeel Art Foundation

有別於沙迦藝術基金會的濃厚官方色彩，巴爾吉耶藝術基金會則是阿拉伯聯合大公國第一個出現的私人藝術收藏與基金會。的確，這個完全由私人藝術收藏家所成立的基金會與美術館不在首都阿布達比，也不在商業氣息濃厚的杜拜，反而是在出了名的保守的沙迦。

收藏家同時也是基金會的創辦人艾爾凱瑟密（Sultan Sooud al-Qassemi）經常在國際英文報紙與雜誌發表文章，是一位經常旅行的國際記者但是對於自己的國家有強烈的認同感，他也曾經撰文直接點名對杜拜有偏見的倫敦記者展現強烈的辯論，創辦基金會之前他的收藏已經在倫敦沙奇畫廊展出過。2010年3月巴爾吉耶藝術基金會隆重揭幕，媒体報導這個私人基金會是阿聯本地足以與即將進駐巴布達比的羅浮宮與古根漢分館抗衡的機構。第一檔開幕展<膚淺的遠景>（Peripheral Vision）從五百件阿拉伯藝術家作品收藏中選出32件作為向世人呈現阿拉伯當代藝術自2007年以來的最新發展，企圖心強烈如同他的文筆一般犀利。

巴爾吉耶藝術基金會的收藏以阿拉伯文化地區的當代藝術為主，除了阿聯之外也包括科威特、歐曼、卡達、沙烏地阿拉伯，接著是鄰近的黎巴嫩、巴勒斯坦、敘利亞、約旦、伊拉克、伊朗、埃及，同時也包括地中海南部的北非地區摩洛哥、突尼西亞與阿爾及利亞。諸如敘利亞的Louay Kayyali, Fateh Moudarres 與 Sabhan Adam；突尼西亞的 Nja Mahdaoui 與 Halim Karabibene ；阿聯的Abdul Qader Al Rais, Hassan 及 Hussein Sharif與Fatma Lootah ；伊拉克的Ismael Fattah 與Dia Azzawi ；利比亞的Ali Omar Ermes ；八林的Abdullah Al Muharraqi ；埃及的Omar Al Nagdi, Adel El Siwi, Adam Henein 與 Susan Hefuna ；巴勒斯坦的Mansour Sleiman 與 Jeffar Khaldi ；科威特的Sami Mohammed 等藝術家作品。

巴爾吉耶藝術基金會坐落在沙迦的新商業區裡的一棟歷史建築與馬拉雅藝術中心（Maraya Art Centre）分別於不同樓層，鄰近有當地最大的購物與休閒商圈Al Qasba，晚間燈火通明映照出當地唯一的繁華。展覽的作品透過艾爾凱瑟密的收藏深刻反映阿拉伯文化區域的社會轉變與現狀，人權問題、婦女與性別角色、兒童保護等議題，透過開放的空間與終年不斷的活動及免費參與進行藝術教育扎根的工作，也因此基金會於四月獲得Sheikh Mohammed Bin Rashid Al Maktoum Patron of the Arts Award藝術大獎的肯定。

Art and Design 藝術沙龍 跨界設計

藝術不僅是用雙眼觀看、雙耳傾聽，甚至漸漸的越來越多的作品可以雙手去觸摸、以身體去體驗。日常生活中需要的設計美感不再只是奢華，而是漸漸成為潮流。藝術生活貼近人們的距離，巴塞爾藝術博覽會期間也可看出這樣的趨勢。

邁入第六個年頭的邁阿密／巴塞爾設計博覽會所聚焦的即是家居生活中最需要的傢飾設計，來自全世界的畫廊也以經營設計為主，跳脫過往畫廊專營視覺藝術的印象，從設計界的大師到建築界的巨人都在設計名錄中，建築師哈蒂的桌椅設計維持了她一貫的流動線條與冷峻；也有畫廊邀請視覺藝術家設計舞台劇場，這些創作計劃在表演結束後都成了獨一無二的傢飾品，但是不僅可供欣賞也有實用價值。博覽會開幕當晚不僅收藏家捧場，連流行設計界的巨星Jil Sander與超級名模Naomi Campbell都在6000名賓客之列。設計博覽會逐漸成熟，同時培養了一批從視覺藝術界而來的收藏群。

回過頭觀察巴塞爾藝術博覽會，畫廊展區也開始出現視覺藝術家的跨界之作。卡波爾（Anish Kapoor）的創作不僅是公共藝術，甚至與建築界開始合作；今年威尼斯雙年展獲得最佳潛力年輕藝術家獎的哈隆•米爾薩（Haroon Mirza）2011年新作，利用舊的桌椅、收音機、唱盤所組合的裝置，不但像一架小型風琴，同時也真正發出有趣的節奏與音響。所謂的藝術貼近生活不是一種精神的滿足與口號，其實也是真正的實踐。

藝博會所策劃的系列座談與發表活動，2011年第一次邀請來自台灣的藝術空間MOT/ARTS忠泰生活開發於現場發表今年的視覺與建築藝術跨界合作案，由中國大陸藝術家展望與荷蘭鹿特丹建築團隊MVRDV所合作的「城市烏有園」（Urban Arcadia）計劃，透過中國的假山造景文人思維與荷蘭垂直村落的前衛概念產生撞擊，激盪出新的火花。《假山疊塢》以「垂直村落」計劃的二十四個如積木造形的建築元素，透過藝術家展望對中國園林山水的哲學思維詮釋，產生新的桃花園。

藝術家展望也親自到達現場提出藝術家對東方建築設計的哲學與美學觀。中國人的美學從自然出發，一草一木、高山流水、岩石沙粒都是一個微觀的世界。透過觀察與體會，中國藝術家所領略的是從自然出發、取法自然的創作美學態度，迥異於西方的思考模式。他觀察到西方人的創作與設計多是在與自然相抗衡，並且挑戰自然的極限。

「垂直村落」其實就是一個很好的例子，MVRDV的計劃在東方人眼中是瘋狂的；展望的自然造景觀卻被認為無法實際成為建案，頂多只是模形計劃的理想。展望還不死心的拿著完成的《假山疊塢》詢問中國建築界人士，獲得的答案是：應該是一個可以實施的計劃，並且建構出來。挑戰自然者面對山水以阻擋來建構計劃；師法自然者卻以柔性的迂迴，納山水於創作之中。

可惜MVRDV未能到現場與展望對話，否則兩方面對同一個主題的截然不同思維方向應該可以激起東西方美學辯證的火花，現場觀眾應該也會更了解展望亟欲將中國美學觀念清楚表達的企圖心。

美中不足的是現場少了限量作品《假山疊塢》的亮相，縱然透過投射影片與圖像觀眾可以想像計劃的最後成型，但是少了親眼目睹與雙手的碰觸，還是如隔靴搔癢抓不到真正的重點。未來的發表會上若能在博覽會同時參加「藝術宣言」或「藝術首展」單元，西方觀眾對於藝術家所談論的園林自然哲學觀以及完成的計劃作品了解與欣賞絕對會收到更多的迴響。

穿插在五天博覽會期間的座談與討論，僅有兩個來自亞洲的邀請，但是僅有這場發表會具有東西方對話的文化交流。透過策展人楊心一與忠泰生活開發羅烈琦的介紹，觀眾對台北的某部分建築特色與城市景觀也有了新的印象。

會後藝術家展望還是熱切的表示這個計劃對他而言只是階段性的完成，不是全面性的總結。他的創作構思裡，這個計劃應該被實踐出來，雕塑的完成僅僅是計劃完成的第一個步驟。他談著談著眼中突然發出光芒，想像捧在手中的模形成為建築的園林山水。人，其實是可以穿梭在其中優遊甚至是可以在裡頭居住的。中國人的三思而後行反而阻礙了新創作的可能，冒險其實也一直不是東方人的強項，鄭和下西洋的海上冒險對照哥倫布的發現新大陸，東方人其實可以更開闊的探索未知。

再回到設計藝術博覽會的觀察，現場展出已故藝術家與設計師哈瑞•貝爾托亞（Harry Bertoia）的大型音樂性雕塑《雙簧》（Double Gong）。藝術家的大尺寸設計都是委託計劃案，因此都已被典藏並展示於公共空間，這件1976年為挪威貝爾根克雷格音樂廳（Grieg Concert Hall, Bergen Norway）設計的作品，兩年後設計師去世與諸多因素，2000年作品被紐約畫廊購得，成為藝術家唯一在私人手中的作品。

哈瑞•貝爾托亞以線條座椅設計聞名於世，但是自1950年代起他更鍾情於聲音雕塑的創作，設計之外這批作品更顯示了設計師的藝術才華。看來藝術家總是在尋求藝術表現的新可能，像是永不止息的夢想。